CAFÉ SOLILÓqUIO

CISNE NEGRO

2011-02-15T01:30:00.003-02:00

Espelho Espelho Meu: Existe alguém Mais Perfeita Do que Eu?

Para que serve um espelho? Para se ver! Responderia de imediato o leitor apressado. E o que você vê define exatamente quem você é?

Espelhos.No filme Cisne Negro A bailarina Nina (Natalie Portman) vive num mundo repletos deles, alguns subjetivos como a vida imposta de disciplina e regras da mãe aparentemente superprotetora –na verdade , uma frustada que vê na filha um reflexo do que poderia ela mesmo ter sido. Já outros são mais explícitos ,como o da porta do seu armário , aliás, um só não...três ! projetando ali toda personalidade fragmentada e obsessiva que carrega a insanidade do personagem > Um é o cisne negro, outro, o branco e por último, sua própria angelical imagem...Até o diretor tem o seu momento de dualidade quando aparece pela primeira vez para o ensaio do balé: primeiro vemos sua imagem relfetida no espelho do palco e depois , a real – o que é real?

Seu papel aqui não é apenas o de dirigir a companhia:ele vai mais longe , assumindo um Mefistófeles exorcista e começa um minucioso e sutil processo de libertar o lado ‘negro” da nossa angelical bailarina. Ataque! Seduza! Esqueça a disciplina! Liberte-se! diz ele aos berros. E ela, como uma fiel e obstinada aluna ,põe para fora todos os seus demônios numa metamorfose sobre-humana onde o real e o imaginário se misturam e se completam. Curioso como o orgasmo é usado como uma chave, servindo de ferramenta desse novo ser. Chegando a ponto de ver a imagem da própria mãe em pleno ato Cunilingus nas suas coxas , quando na verdade era a amiga-tentaçao, munida de um coquetel de afetaminas, álcool e tesão – combinação explosiva ....

Porém ,como em toda mudança existe a resistência. E aqui ela é magnificamente representada pelo detalhes . O mais expressivo é o figurino

- Quase todos os personagens usam preto, cor dos ‘tubinhos’ de festa, dos smokings, e ela, sempre de tons pasteis e angelicais. Numa cena, onde praticamente é raptada para uma noitada , ela vai até o banheiro e troca seu bolerinho por um vestidinho preto tirado da bolsa-Pandora da tentadora amiga. Não tem volta.

E assim, em busca da perfeição, sua antiga imagem se esvai , espatifando em mil estilhaços para todo sempre, afinal ,espelho não se conserta.

E ela sorri em paz.

título original: (Black Swan)

lançamento: 2010 (EUA)

direção:Darren Aronofsky

atores:Natalie Portman, Mila Kunis, Winona Ryder, Vincent Cassel.

duração: 103 min

A ORIGEM

2010-11-01T03:06:00.004-02:00

Sonhei Que Estava Num Sonho Sonhado

O escritor Edgar Allan Poe – mais conhecido pelo famoso poema de causar arrepios “O Corvo” – publicou uma série de poesias, e numa delas criou uma frase-enigma em pleno século 19, que até hoje serve de inspiração para os autores de historias fantásticas: “E se tudo que vivemos não for um sonho dentro de um sonho?”

Sonho e inconsciente; é dentro desse universo que se passa A Origem. O filme é uma espécie de Missão Impossível no qual cada um tem um papel específico dependendo do próprio talento, com a diferença de que, em vez de uma missão, temos quatro, todas acontecendo simultaneamente. E no meio disso tudo, chovem referências para os mais atentos, como, por exemplo, a escada sem fim criada pelo psiquiatra britânico e matemático Lionel Penrose, na qual os degraus têm pontos cegos tal e qual um labirinto, criando assim um paradoxo; tem a música que toca em alguns momentos de Piaf, cantora interpretada, magistralmente, pela atriz Marion Cotillard no filme homônimo. Em A Origem, sua nova personagem tem o apelido de Mal (palavra com o mesmo significado na língua francesa).

Outro detalhe significativo – para quem conhece a mitologia – é o nome de uma das integrantes da equipe: Ariadne. Na mitologia grega, foi ela a responsável por Teseu conseguir derrotar o amaldiçoado Minotauro e sair do labirinto graças a um fio feito para que o herói não se perdesse, encontrando, assim, o caminho de volta. É ela que “desenrola” os segredos mais profundos, além de criar os cenários dos sonhos que no filme são divididos por camadas distintas. Sabe aquelas bonequinhas russas em forma de ovo (matrioshkas), que vão surgindo uma de dentro da outra, até se atingir o núcleo onde reside guardadinha, a última das bonecas? Troque o termo “boneca” pela palavra “inconsciente” – a grosso modo, tão falada e pouco entendida, significa uma parte dos nossos pensamentos sobre a qual não temos controle. E lá que ficam os nossos medos, inseguranças e todas as memórias reprimidas pelo nosso lado consciente. A cada “boneca” descoberta, mais fundo se vai, chegando assim a pior delas, nominada no filme como Limbo, que é a ausência de tudo, restando um grande vazio. Você não abriu uma a uma e demorou mais para achar a última das bonecas? No filme, cada camada do inconsciente tem seu tempo específico com uma simples regra: quanto mais profundo, mais tempo. Ou seja, simultaneamente, o que bonequinha menor viveu em dez anos, a penúltima viveu em uma semana e por aí vai, chegando ao sono mais leve, no qual aparentemente representamos os nossos desejos através de metáforas ou não. Se você entender que cada parte da ação está acontecendo ao mesmo tempo, apesar de uns terem mais tempo de cumprir as tarefas do que os outros, com certeza mudará o seu entendimento sobre o filme.

“É um filme cabeça!”, dizem alguns; “Muito complexo e eu não entendi nada!”, vociferam outros na saída da sessão. Na realidade, a única coisa que tem que se fazer é desligar o celular, ter atenção e tentar ler todas as legendas dando uma “esquecida” naquilo que parece quase uma obsessão, que é esvaziar o exagerado pote de pipoca vindo nos kits “ultra mega plus max” desses cinemas. Você verá que a história está toda explicada no filme. Apenas um detalhe fica no ar, o que acaba gerando mais descontentamento do que curiosidade, afinal, a maioria dos expectadores de hoje gostam de filmes da mesma forma que os grãos de pipoca: bem mastigadinhos para ser fácil de engolir...

A Origem (Inception) EUA/Reino Unido, 2010 - 148 minutos
Direção e Roteiro: Christopher Nolan
Elenco: Leonardo DiCaprio, Ellen Page, Joseph Gordon-Levitt, Marion Cotillard, Ken Watanabe, Tom Hardy, Cillian Murphy, Tom Berenger, Dileep Rao, Michael Caine, Lukas Haas e Pete Postlethwaite

À PROVA DE MORTE

2010-11-01T02:53:00.001-02:00

Uma imagem tosca, som monofônico, cortes bruscos, cenas repetidas; algumas ficam em p&b, sem mais nem menos... Que isso?! Esse cara deve estar de brincadeira! E está mesmo. No filme À Prova de Morte, o diretor Quentin Tarantino partiu de um fiapo de roteiro – serial killer mata garotas com seu carro infernal – e deitou e rolou nas referências aos filmes ordinários dos anos 70 sem esquecer também sua deliciosa e anárquica filmografia.

As pistas estão espalhadas para todos verem, dependendo do tipo de espectador que você seja: o carro e a calça amarela que Uma Thurman usou em Kill Bill, os diálogos enormes de Pulp Fiction, a fixação pelos pés femininos em quase todos os filmes e principalmente, as mulheres; as “gatas” de Tarantino são de fazer as Bond Girls parecerem um bando de paquitas passivas!

Essas pistoleiras são desbocadas, implacáveis, sensuais, bebem, fumam e cheiram demais, transam com quem quiserem e não fogem à luta, encarando uma boa vingança de peito e pernas abertas. A música é quase um personagem, impulsionando os personagens quase como num exorcismo. A cena em que uma das garotas faz uma lap dance para Kurt Russell já vale o preço do ingresso

Portanto, se concordar em entrar na brincadeira, esqueça as narrativas formais e o novo “mundo 3D”, no qual a única surpresa é a forma, e encare-o como uma visita a um parque temático em 3T (Tesão, Testosterona e, o mais importante, T de Tarantino!).

À Prova de Morte (Grindhouse - Death Proof)
Elenco: Kurt Russell, Rosario Dawson, Rose McGowan, Marley Shelton, Mary Elizabeth Winstead, Sydney Poitier, Zoë Bell, Eli Roth.

Direção: Quentin Tarantino

O ESCRITOR FANTASMA

2010-11-01T02:45:00.003-02:00

O Homem Que Sabia Demais

Roman Polanski é um diretor que tem o talento de transformar uma simples história em narrativas brilhantes. Ele é mestre em subverter os gêneros e mexer com o imaginário coletivo. Em O Bebe de Rosemary – um de seus melhores filmes –, o tal “ser” é citado o tempo todo, desde a gestação até a cena final. Porém, ao nascer nós não o vemos, só os personagens, e isso é que o torna mais perturbador: o mal não tem forma. Em outro bem mais antigo, chamado O Inquilino, um jovem se muda para um apartamento de um recém-suicida e começa a ver sombras de alguém na outra janela de um apto vazio no prédio. Seria paranoia, alucinação ou algum espírito?

Assim é a construção da maioria dos seus filmes. O não-dito e oculto é tão ou mais importante do que o falado e visto. No seu último enigma – Ops, filme! –, o poder da sugestão começa com o próprio tíitulo: O Escritor Fantasma. Para quem não sabe, esse é o termo usado para designar, no mercado literário, os escritores que auxiliam geralmente alguém de renome a escrever um livro, muitas vezes até o texto inteiro, sem levar o crédito. Daí o termo “fantasma”, pois vivem à sombra, sem nenhum reconhecimento. Eles não existem.

A história é simples: um escritor e chamado para editar um livro sobre um controverso político inglês após o aparente suicídio do autor anterior. Nas mãos de Polanski – co-autor do roteiro –, esse pequeno fio condutor nos envolve num verdadeiro labirinto do Minotauro, criando um silencioso suspense com auxílio de belas locações e uma perturbadora trilha sonora ma qual apenas os diálogos irônicos e brilhantes são testemunhas. Aqui o que importa não é a trama, mas sim a forma como é construída; o que era para ser um filme político se transforma num autêntico suspense remetendo até ao grande Alfred Hitchcock ao usar o jogo predominante de muito dos seus filmes: o homem comum x o sistema.

Uma das cenas finais, na qual a câmera mostra apenas um bilhete que passa de mão em mão até chegar ao destinatário, é genial. Ela simplesmente resume com maestria todo o percurso que o escritor passou até a descoberta final, em que o enigma é finalmente desvendado. Porém, tal e qual na mitologia grega, todas as descobertas tem um preço...

Título original: (The Ghost Writer)
Direção: Roman Polanski
Elenco: Pierce Brosnan, Ewan McGregor, Olivia Williams, Kim Cattrall e Tom Wilkinson

ROBIN HOOD

2010-06-07T18:06:00.001-03:00

Flechas demais, alvos de menos

Por André Leite

Estamos vivendo numa época em que a maioria dos roteiristas americanos não quer arriscar, lançando um produto – leia-se filmes – sem nenhuma referência. Basta dar uma olhada nos últimos campeões de bilheteria: Sherlock Homes, A Hora do Pesadelo, Jornada nas Estrelas, Fúria de Titãs, etc. Todos, digamos assim, “repaginados” e com protagonistas bem mais jovens, ao novo gosto do público pagante mais assíduo: os adolescentes.

Pensando neles principalmente, o diretor Ridley Scott (Blade Runner,Gladiador), em vez de escalar mais um rostinho bonito de olhos azuis, pegou seu ator-fetiche – o ogro Russell Crowe – e lhe deu uma missão. Ele, então, tomou um bom banho, fez a barba, perdeu alguns quilos, deixou um pouco a cerveja de lado e cortou o cabelo. Tudo isso para viver o ladrão mais famoso do cinema: Robin Hood!

Porém, em vez de rechear o filme com batalhas e muita ação, o diretor resolveu centrar mais na origem do personagem e toda a construção até chegar a ser o grande líder de seu povo. O que era para ser um mérito, virou um tédio. O personagem "amadureceu" – a dica está no figurino, que antes era verde dos pés à cabeça e agora tem predominância do clássico e austero marrom –, perdendo aquela alegria peculiar, muito bem mostrada pelo ator Errol Flynn numa antiga versão.

O novo filme ganhou uma duração de quase três horas, e nós uma grande câimbra nos fundilhos. Não que ele seja ruim; algumas sequências são de pura aventura, como um dos ataques à fazenda de Lady Marian, brilhantemente defendida pela atriz Cate Blanchett – que nunca esteve tão bela. O roteiro também fez algumas brincadeiras: primeiro alguém cita que o rei nunca terá filhos, depois, imediatamente numa outra cena, um personagem é apresentado como o melhor "amigo" do rei e, por último, quando Robin pergunta o motivo de o povo estar com fome diante de uma floresta cheia de animais, alguém responde que só o rei pode comer os cervos, é a lei...

De resto, todos os elementos típicos de um épico de Ridley Scott estão presentes: o movimento de câmera nas lutas, as tomadas inusitadas, como se você estivesse no meio da batalha, e o cuidado em pequenos detalhes dando mais realismo na cena, como o sangue de Robin pingando no rosto de Marian ao pegá-la no colo. Enfim, um filme correto que perdeu o alvo, tal e qual uma flecha lançada às cegas...

Robin Hood
EUA/Inglaterra, 2009
Direção: Ridley Scott
Elenco: Russell Crowe, Cate Blanchett, Vanessa Redgrave
Duração: 131 min

O HOMEM DE FERRO 2

2010-06-07T18:04:00.001-03:00

O homem de lata

Por André Leite

Em algum lugar do passado, muitos cinemas de rua tinham em seus letreiros laterais a seguinte frase: “Cinema é a melhor diversão”. Muita gente se esqueceu disso – menos Tony Stark. Narcisista, carismático e poderoso: essa tríade do homem rico e perfeito se assemelha muito com o perfil de outro alter-ego dos quadrinhos, o milionário Bruce Wayne, mais conhecido pela versão demente de capuz e capa de morcego. Enquanto um mora numa suntuosa mansão, com paredes transparentes, bares e uma vista de cair o queixo, o outro se esconde na caverna escura da culpa. Se para Bruce o perfil de melhor partido da cidade é apenas um disfarce, para Tony é condição de vida!

Tony Stark e o Homem de Ferro são uma coisa só, quase como dois seres simbióticos. Curiosamente, o criador e a criatura possuem o mesmo problema: a falta de um coração. Existe um artefato, colocado simbolicamente no lugar do coração, que precisa ser recarregado continuamente. Mas ao mesmo tempo em que emana um poder descomunal para a criatura, falha no criador, matando-o aos poucos a cada vez que é usada. E é essa a grande sacada do novo filme. Ele agora tem que amadurecer e encarar a vida com mais responsabilidades, assumindo o homem por detrás da máscara, ou seja, a inevitável finitude e fragilidade humana.

Muitos são os resgates emotivos nessa estrada de tijolos amarelos – e vermelhos – para a cidade de OZ: ele chega a dar a presidência das empresas para seu “Alfred de saias”, a belíssima Gwyneth Paltrow, só para mantê-la por perto. Mas, curiosamente, foi nas teorias de Freud que ele encontrou uma chance de renascer. Num de seus muitos ataques desesperadores, ele quebra uma maquete, vista em um antigo vídeo feito pelo seu – até então – odiado pai, e descobre a chave da sua sobrevivência. E o que era um pai ausente e distante revela-se seu maior incentivador e fã; mesmo tendo falecido há mais de 23 anos.

Depois de todo esse “recall” físico e emocional, surge um novo Homem com H maiúsculo, deixando a postura adolescente e imatura para trás e pronto para reviver que é de praxe: vilões poderosos, lutas coreografadas, sequências de arrepiar. Enfim, tudo que se espera de um herói, mas sem esquecer de sua bela amada, porque ninguém é de ferro!

Homem de Ferro 2
Título original: Iron Man 2
Lançamento: 2010 (EUA)
Direção: Jon Favreau
Elenco: Robert Downey Jr., Gwyneth Paltrow, Don Cheadle, Scarlett Johansson, Sam Rockwell
Duração: 117 min
Gênero: Aventura

ALICE NO PAÍS DAS MARAVILHAS

2010-06-07T18:03:00.001-03:00

Ela caiu no buraco

Por André Leite

A Disney bem que tentou: na busca da forma e conteúdo perfeitos, juntou Tim Burton – um dos diretores mais góticos e delirantes do momento – com o enigmático escritor Lewis Carroll, autor cultuado até hoje por sua obra mais famosa: a lisérgica Alice no País das Maravilhas. Dizem até que, na verdade, essa história foi criada para uma das três filhas do seu melhor amigo, tal o fascínio que ela exercia – e se destacava das outras irmãs –, sempre querendo saber mais.

Se fosse escrito hoje, com certeza Carroll seria chamado de pedófilo. Pensando bem, o filme tem até essa leitura, afinal ela estava sempre inquieta e dispersa até fugir do próprio noivado. Cai num outro universo e para passar pela passagem toma equivocadamente um comprimido que a faz crescer, porém é muito cedo. E devido ao tamanho adulto adquirido, come mais um pouquinho e diminui (vira criança novamente), entrando, assim, num mundo mágico repleto de simbolismos: os olhos de cobiça do perfeito gato (seria o próprio autor?), o coelho correndo contra o tempo (envelhecimento), a lagarta sábia (sabedoria dos seres divinos), as rainhas-irmãs Vermelha e feia (sangue, vida, insegurança por ser diferente) e a outra, Branca e linda (quase uma caricatura de uma pessoa bondosa), não esquecendo do primeiro namorado, o Chapeleiro. E ao fim da viagem, volta para casa mais madura, diz “não” ao pretenso noivo e assume os negócios do ex-genro. Seria um bom filme nas mãos de qualquer diretor experiente. Imagine então Tim Burton com todo esse rico material?

De boas intenções o inferno está cheio. E foi na intenção de fazer uma obra delirante e divertida (num tímido 3D), que acabou se equivocando no que seria seu principal às da manga: a direção de arte. Para começar, na própria escolha da atriz que faz o papel principal, que não consegue passar em nenhum momento toda a força que o personagem tem. Os castelos são quase bidimensionais e, tirando a cadeira da rainha, pouco se sobra. O da rainha louca então – que na verdade parece um enorme pirulito, mais complexada com uma baixa estima pelo tamanho da sua cabeça – poderia ser uma coisa bem exagerada, cheia de curvas e tons avermelhados... Poderia.

E o exército de cartas do baralho então? No clássico de Walt Disney eram simples e funcionais, porém perfeitas: finas, desnorteadas e todas com números (o autor era matemático também). As do filme são carrancudas e mal dá para ver que o que são. Apenas numa cena-genial, é verdade, na qual caem todas igual a uma fila de cartas, é que vemos o quanto poderia ser explorado com este vasto material. O Chapeleiro Louco de Johnny Deep acaba sendo maior do que a própria história. Bem, mas para essa explicação só tem uma resposta: sua grande parceria com o diretor. Mas desta vez ele resolveu esquecer um pouco a premissa comum de é mais grandioso do que o próprio papel – interpretação cada vez mais comum, de Ney Latorraca a Al Pacino – e assumiu as rédeas de um quase protagonista, fazendo um clown que lembra mais um daqueles tristes palhaços dependentes de qualquer plateia para existirem. A espera durante anos pela Alice, na mesa de chá junto com seus amigos-animais, é simbólica e define bem a falta de “convidados” (público) para o ritual. Já a floresta é exuberante com seus enormes cogumelos e paisagens pintadas, dando uma leitura meio retrô, fazendo quase um contraponto a tantos efeitos especiais. Seria uma homenagem e autocrítica?

Bem, se do ponto de vista estético o filme não foi tão satisfatório, o mesmo não pode ser dito da bilheteria mundial que, a cada dia que passa, vem enchendo os cofres dos produtores neste que foi, até hoje, o lançamento mais rentável da Disney no Brasil! Que Maravilha!

ALICE NO PAÍS DAS MARAVILHAS
Direção: Tim Burton
Roteiro: Linda Woolverton
Elenco: Mia Wasikowska (Alice), Helena Bonham Carter (Rainha Vermelha), Christopher Lee, Michael Sheen, Crispin Glover (Valete de Copas), Anne Hathaway (Rainha Branca), Matt Lucas, Alan Rickman (Lagarta), Johnny Depp (Chapeleiro Maluco) e Eleanor Tomlinson (Fiona Chataway)

UMA NOITE FORA DE SERIE

2010-06-07T17:59:00.000-03:00

Tratamento de choque

Por André Leite

Roupa suja se lava em casa, certo? Talvez para alguns casais, mas não para os Foster. Aqui o sabão foi trocado por revólveres, perseguições, identidades trocadas, pole dance em dupla e muita correria! Também não era pra menos: um insosso casal suburbano resolve sair um pouco da rotina e, em vez de jantarem no mesmo restaurante semanal, onde a única diversão é observar os outros, criando histórias – “aquele casal está apaixonado, por isso que sentaram-se lado a lado e não frente à frente” (como eles), diz ela –, resolvem trocá-lo por um lugar da moda.E na ânsia de conseguir uma mesa, assumem uma reserva alheia e acabam herdando muito mais do que um novo sobrenome, afinal o casal ausente é uma dupla de contraventores procurada por chefões e todo tipo de criaturas corruptas – desde policiais a senadores. Está formada a confusão.

Esse é mais um daqueles filmes em que alguém sai do lugar comum, aprende algo para depois voltar revigorado. E o que então o torna diferente dos outros? Para começar, o sentimento; em nenhum momento é posto em dúvida que se amam, o problema é a rotina quase automática em que cumprem as tarefas domésticas – filhos pequenos, por exemplo. Daí a criação de uma noite semanal só para eles. A dupla de atores também foi perfeita: juntaram Steve Carell (Um Virgem aos 40) com Tina Fey (muito conhecida nos EUA, na premiada série 30 Rock, colecionadora de prêmios). Se bem que Steve Carell tem um rendimento muito melhor nas cenas românticas. De simples ingênuos, passam a investigar de verdade, tornando-se um verdadeiro casal de detetives. A noite aqui entra numa espécie de catarse e a tão esperada transformação fica muito mais interiorizada, explicitada apenas por duas cenas pequenas, porem simbólicas: ao amanhecer, sentam num café e em vez de ficarem frente à frente, ela se levanta e recosta a cabeça no ombro dele, tal e qual o casal observado no restaurante no início do filme. E por último: ao chegarem à porta de casa, se abraçam e trocam um apaixonante e longo beijo.

CHICO XAVIER

2010-06-07T17:57:00.002-03:00

O homem que fechava os olhos para abrir a alma

Por André Leite

Chico Xavier era um homem dadivoso. Mais do que um médium espírita, ele foi e ainda é um ícone da bondade, um – por que não? – homem santo. Tudo que ganhava, repassava para os necessitados e suas cartas psicografadas nunca eram cobradas. Para Chico, o verdadeiro autor eram os espíritos, e ele apenas um carteiro.

O filme se alterna entre a história da sua vida e uma grande entrevista num famoso programa intitulado Pinga Fogo na extinta Rede Tupi, onde foi sabatinado durante quase três horas ao vivo por todos: desde os entrevistadores até o público. A transmissão foi um marco na TV brasileira, tendo uma audiência maior do que a Copa de 1970. O saldo foi positivo, tanto para a figura como para o Espiritismo, tornando Chico uma figura respeitada, principalmente pelo jeito simples e sereno como respondia as questões, muitas bem complexas no intuito de desmascará-lo.

Mas engana-se quem acha que o filme foi centrado na religião espírita; ele vai mais além e mostra toda a via crucis que passou quando, ainda muito criança, começou a manifestar o dom da comunicação com os espíritos – seus únicos amigos na infância. Passa pelo Chico jovem – interpretado por Ângelo Antônio num trabalho excepcional de caracterização – e vai até o amadurecimento em que Nelson Xavier – para variar – dá mais um show de interpretação. Chico acima de tudo foi um homem que abdicou de toda uma vida, íntima e pessoal, dedicando toda uma existência a fazer o bem através do seu dom.

Parece que o público de todas as crenças entendeu o recado. No primeiro final de semana, o de estréia, o filme alcançou um recorde de bilheteria, sendo visto por mais de 590 mil pessoas e superando até Se Eu Fosse Você 2, que na época obteve cerca de 570 mil pessoas. Numa das sessões de pré-estreia, o ator Nelson Xavier citou o trecho bíblico “amai-vos uns aos outros” e disse:“Foi uma das bandeiras mais revolucionárias que alguém já levantou na história e Chico Xavier viveu isso à risca”.

Chico Xavier (Brasil, 2010)
Diretor: Daniel Filho
Elenco: Nelson Xavier, Ângelo Antônio, Matheus Costa, Pierre Baitelli, Christiane Torloni, Tony Ramos, Cadu Fávero, Paulo Goulart, Pablo Sanábio, Gláucia Rodrigues, Cássio Gabus Mendes, Guilherme Fontes e Giovanna Antonelli

A GAIOLA DAS LOUCAS , o musical

2010-06-07T17:57:00.001-03:00

Cadê as plumas?

Por André Leite

A história de um casal homossexual que vive junto há duas décadas num apartamento anexo a uma boate (a Gaiola das Loucas) e toda confusão ao receberem a visita dos futuros genros pudicos e nora – um dos gays é pai de um rapaz – sempre foi sinônimo de sucesso. Foram quatro filmes no total: o primeiro e suas duas continuações, todas francesas, e o quarto, adaptado e atualizado para inglês ver. Sem contar com as inúmeras montagens teatrais pelo mundo a fora. E por que não no Brasil? Principalmente agora com toda diversidade em alta em quase todas as mídias: programas populares de TV como o Big Brother, novelas... Nessas então, é quase que obrigatório ter um gay no elenco – como personagem, viu? –, e até os cantores estão saindo do armário, como o Ricky Martin. Pensando bem, só ele que não sabia para onde iriam aqueles versos do seu maior sucesso: “1, 2, 3, um passinho pra trás...”

“Dourados” à parte – ser gay agora é legal, moral e não engorda –, deixemos um pouco essa turma bronzeada mostrar seu valor e voltemos para a peça. O espetáculo é uma big produção: 25 atores, 300 figurinos, 40 trocas, 100 perucas; enfim, tudo o que pede uma atração desse nível. Infelizmente, não adianta ter uma atrativa embalagem com lacinhos cor de rosa e perfume de CK se ao abrir perde-se quase todo o aroma, restando apenas uma ou duas notas finais. Os cenários são simples, as caracterizações são fracas e o elenco coadjuvante destoa completamente: seja no biótipo do personagem – o ator que faz o sogro é muito jovem – e os dançarinos, muito novos como drags em comparação ao Diogo Villela, a estrela do show.

Com alguns quadros enormes e músicas – apesar de bem adaptadas, longas demais, às vezes quebrando até o ritmo do espetáculo – a montagem não decola como deveria. Porém, existem muitos momentos divertidos: Miguel Falabella faz um mix onde persona e personagem se misturam criando quase uma versão semicaricata do próprio, sem falar no Jorge Maya – ator pouco conhecido de TV, porém habitué do público teatral – na pele de Jacob, um afetadíssimo empregado que faxina de salto-alto. São deles as melhores gargalhadas. E o Diogo? Bem, ele não conseguiu passar aquela “divina decadência” que o personagem tem como característica principal, afinal, ele é agora uma estrela que está perdendo o brilho. Faltou também se soltar mais, pois apesar de ser refinado, ele também é muito afeminado segundo o autor da história, o francês Jean Poiret. Diogo Villela está “macho” demais!

Enfim, como diria a letra da canção original da peça: “Então venha me dar uma olhada, me dê uma força / É o meu mundo, daquilo eu quero ter orgulho / A vida não vale nada até que eu possa dizer: eu sou o que sou!”

Está dado o recado.

O LIVRO DE ELI

2010-06-07T17:54:00.000-03:00

Eu sou a Verdade

Um andarilho, munido apenas de uma bolsa e um modelo “jurrássico” de Ipod, peregrina pelas planícies inóspitas em busca de água e comida com destino ao oeste. Durante o percurso, piratas motoqueiros, mulheres em trapos, cidades devastadas pelo calor do sol, muitos cadáveres e um cruel soberano obcecado por um livro, o Livro de Eli.Numa das conversas com seu guarda-costas, é indagado sobre o porquê da obsessão pela obra. “É poderoso e suas palavras têm o dom de mudar todo um povo. É uma verdadeira arma. Tanto até que todos os exemplares foram queimados – daí, o motivo da guerra e de toda a devastação que a Terra se encontra. Todos... menos um”, conclui ele.

Matamos a charada: é um filme bíblico, e com tudo que há nesse tipo de produto. E o nosso herói maltrapilho protege o livro sagrado com todas as técnicas de lutas, daquelas que só Neo (Matrix) ou Beatrix (Kill Bill) poderiam participar... e vencer. Quem deu a ele esses dons? Hora essa, foi Deus! E tome comparações à frente; ele morre, ressuscita, é educado, fala pausadamente, conquista fiéis (o tal capanga) sem dizer uma palavra e protege os fracos. Sacou? É o próprio Messias!

No filme não sobra espaço para sutilezas. Há até uma mulher chamada Marta que, junto com o marido, o convida para um chá ao som de uma canção. Na Bíblia, é ela que acolhe Jesus quando entra em uma aldeia. Quer mais? Sabe qual a música que está tocando no antigo gramofone? “You Can Ring My Bell” (traduzindo: “Você Pode Tocar Meu Sino”), antigo sucesso das pistas nos anos 80.

No final, o Paraíso. Não aquele com animais saltitantes ou folhagens voando junto com borboletas sob um céu solar e azul. Aqui, a morada eterna para os bons é traduzida em forma de uma fortaleza numa ilha acessível por barco – seria o barqueiro das almas? Lá estão guardados todo o conhecimento para criar um novo mundo, faltando apenas a mais importante de todas as obras, a própria Bíblia.

Entretanto, algo se perdeu durante a projeção do filme; ele não empolga. Acho que faltou uma coisa: a Fé!

O Livro de Eli (The Book of Eli)
Elenco: Denzel Washington, Mila Kunis, Michael Gambon, Jennifer Beals, Gary Oldman, Evan Jones e Ray Stevenson
Direção: Albert Hughes e Allen Hughes

O DIREITO DE AMAR

2010-06-07T17:51:00.000-03:00

O passado é meu futuro

Por André Leite

Depois de viver seus últimos 16 anos ao lado do seu companheiro, um desastre na neve faz o Prof. George perder a família inteira: o parceiro e seus dois filhos, simbolizados por dois cães. Um deles após o desastre desaparece, restando ao outro o papel de companheiro final e fiel: morrer congelado junto ao seu dono. A notícia, dada de uma forma seca por meio de um telefonema de um primo da vítima, o deixa tão perplexo que sua dor é abafada e representada apenas por um grande temporal noturno de chuva de lágrimas: como falar da perda de alguém que significa a própria vida?

Um grande relógio assume provisoriamente o espaço vazio da casa sonhada e projetada para dois, ditando passo a passo o que fazer, como um silencioso arauto da ordem. Mas a dor não passa; tic-tac,tic-tac. Decidido, então parte com todo o comportamento obsessivo que tem, a tornar concreto o que ate então era só sentimento. Num estacionamento, Um enorme cartaz colado na parede reproduz o olhar da primeira vitima de Norman Bates no filme Psicose pontuando todo o desespero interior sentido. E, pouco a pouco, vai se desligando da sua vida medíocre de uma forma elegante, silenciosa e sutil. Ele não divide a dor e o desespero, cultiva-os para si mesmo. Durante esse percurso, muitas tentações aparecem – a simples escolha da cor de um apontador de lápis, sugerida por um adolescente, vira um implícito jogo de sedução. “Pensei que fosse escolher o azul”, diz o jovem com seu apontador vermelho nas mãos, ao vê-lo pegar o amarelo – uma cor muito usada para simbolizar a espera de um sinal de transito, entre o verde e o vermelho ela informa: “Preste atenção, observe”. Tic-tac. Ele não pode perder o foco. “Às vezes, as coisas horríveis possuem um certo encanto”, conclui um michê numa vã tentativa de ganhar mais um cliente. Não, eu não posso. Então, tal e qual o coelho de Alice e seu relógio de bolso da antiga fábula, ele entra no carro e continua seu movimento. Tic-tac.

Um detalhe curioso é que o filme é feito todo em tons pastéis, porem a cada sopro de vida e desejo do professor, as cores ficam mais quentes e vivas, para depois voltarem pouco a pouco à palidez predominante. Ele não consegue. Não adianta. Até que o aluno – o mais bonito e juvenil – que deu o tal apontador de presente o persegue num misto de curiosidade e desejo. E, numa das mais significativas cenas, os dois mergulham nus nas escuras águas da praia, que seria a própria consciência do nosso suicida. Depois desse batismo, algo muda, e após o despertar pela manhã, ao invés de olhar mais uma vez para o relógio, começa a desconstruir todo o ritual de despedida, renascendo assim para viver outras experiências, talvez a maior delas, provando que durante a rota previsível e supostamente eterna dos ponteiros do relógio, pode acabar a corda, oxidar ou parar de funcionar. Tic.

A ILHA DO MEDO

2010-06-07T17:38:00.002-03:00

Onde a loucura se esconde?

Fiz uma rápida pesquisa pela Internet e me deparei com uma curiosa explicação sobre sentir medo: “O processo de criação do medo começa com um estímulo assustador e termina com a reação de luta ou fuga”. Curioso. Esta poderia ser uma perfeita sinopse do novo filme de Martin Scorcese: A Ilha do Medo. Aqui, ele volta a um universo pouco explorado em seus filmes, o suspense, com pitadas de loucura e terror, mas com uma diferença: o monstro não habita o espaço sideral nem cavernas perdidas no tempo... O buraco é outro e mais embaixo (neste caso, mais acima): a própria mente humana.
E para isso constrói uma atmosfera com elementos bem conhecidos, fazendo uma releitura dos elementos tão comuns nesse tipo de filme.

A trilha sonora é quase uma protagonista central, permeando o filme inteiro com um quarteto de cordas que quase sempre anuncia o que está para vir. A fotografia com fortes contrastes e o cenário do sanatório – que mais parece uma mansão do terror – completam essa trindade do pavor. Tudo isso para contar a história de dois detetives que chegam numa ilha com a missão de encontrar uma doente mental fugitiva num lugar onde escapar é praticamente impossível. Porém, é aí que entra o dedo do diretor, que usa todos os clichês mencionados acima construindo um clima assustador.

Pena que, no final das contas, o resultado não chegou aos pés de duas de suas obras-primas sobre a loucura: Taxi Driver e Cabo do Medo, ambos com Robert de Niro que recebeu uma merecida indicação ao Oscar. E antes que falem mal, não foi culpa de Leonardo Di Caprio, que amadurece a cada filme que faz. Pena que ele é baixinho demais, o que acaba sendo seu maior defeito e também desafio: mostrar-se grande e maduro, mesmo com um rostinho de bebê e um corpo limitado. No final das contas, mais vale um mediano filme de um bom diretor – em que os detalhes são melhores do que o conjunto – do que essa banalização de tripas e sangue em que o pânico passa longe, restando apenas uma variação daquele joguinho de infância do tipo Resta Um, com uma peça comendo a outra até sobreviver apenas uma. E a nós, pobres expectadores, resta apenas lamentar o ingresso perdido.

AMOR NAS ALTURAS ( titulo ridiculo que nao diz nada)

2010-03-17T02:31:00.003-03:00

O PESO DAS NUVENS

- O que é essencial numa mala de viagens?
Uns diriam que dependeria do destino, outros, do tempo da viagem...afinal de contas, existe a bagagem ideal? Nossas malas estão sempre abarrotadas de bugigangas - diria Ryan numa das muitas palestras que apresenta: Quanto menos pesos e supérfluos, melhor- conclui.
Porém se olhar um pouco mais de perto,verá que o “peso” que ele não quer carregar não é o de um par de sapatos a mais, um cachecol ou um vidro de perfume e sim o peso de viver: Por trás daquela bela e fria cabeleira grisalha com um sorriso elegante e cínico, se esconde um homem solitário e vazio, incapaz de fixar raízes e sentimentos. Seu sofrimento é tão inconsciente que nem ele mesmo vê o quão patético é a vida que leva, onde seu único desejo e colecionar milhagens de vôos no cartão. Seu emprego é perfeito para isso: Viajar com a função de demitir os funcionários da firma dos outros ...Quem nunca sentiu seu mundo despencar após ser demitido? Mas ele bom no que faz e nesse momento age como um psicólogo, mostrando um leque de opções que a demissão dará aquele pobre coitado.
Seu método e emprego começa ser ameaçado com a chegada da modernidade personificada por uma jovem executiva, daquelas que ao invés de ligar para o companheiro ao lado, envia um torpedo. Sua Idéia? Despedir as pessoas através de uma gélida e impessoal tela de computador :Assim a firma economizaria nas viagens, porem, toda rota fuga emotiva em que o personagem embarcou, ficaria nas nuvens... Antes de o sistema ser totalmente implantado, ele traça o que seria sua última saída levando uma bagagem a mais: A própria jovem, numa tentativa de mostrar que o serviço não é tão simples assim. O significado dessa última jornada vai muito além do esperado, e o que antes era abandono vira resgate: de sentimentos, da família, e principalmente, dele mesmo.
Afinal o que uma vida sem “bagagens” para carregar?

PRECIOSA

2010-03-17T02:06:00.004-03:00

Uma jovem obesa e negra caminha com uma dura expressão e um olhar cabisbaixo num fundo branco. Um par de asas de borboleta e uma coroa de reis fazem o papel de sombra. Assim é o cartaz do filme, assim é a vida de Precious:
-Vazia, triste , sem nenhum elemento para se apoiar. Mas ela também sonha... Sonha num dia em que não precisará mais ouvir humilhações de todos. Prisioneira num lar onde ao invés de abraços e palavras de confiança, é vitima do fracasso dos pais, servindo de saco de pancadas a amante tanto do pai –mais explicitamente -quanto da neurótica e omissa mãe. E entre um prato lavado e uma agressão,ela vai vivendo... vivendo não: Vagando.
Até que, junto com a mudança para uma nova escola especial – na verdade um simples centro de reabilitação- convivendo com um pequeno grupo de garotas e uma doce e experiente educadora ,encontra tudo que a vida não deu: Carinho, preocupação, amizade e o principal :força para enfrentar o mundo. No começo do filme um lenço do tipo echarpe flutua entre um viaduto e o céu, junto com os pombos. Ele é vermelho. Mais tarde aparece no pescoço de Precious. Essa é a sua coroa de espinhos. No final, ela tira-o e dá para uma garotinha muito jovem ,vizinha de prédio e da sua dor. E , de coroa de espinhos aquele singela echarpe toma outro sentido: O sentido de libertação.

AVATAR

2010-01-11T23:44:00.001-02:00

A Liberdade é azul

Por André Leite

Marinheiros chegam a uma desconhecida colonização com a missão de explorar as riquezas do local e nativa se apaixona por um dos oficiais, que se revolta, após descobrir as reais intenções na tripulação... Pocahontas? Não;Avatar!

O filme não assume suas referências, mas nem precisava; eles não estavam brincando quando diziam que estávamos entrando num novo universo. O que vemos é de cair o queixo, pois o visual é magnífico e todo criado por computação, desde as plantas até o povo do planeta, causando um delírio visual de cores, formas e tipos, como os animais alados, mas parecidos com um antigo personagem do desenho animado dos Herculoides e os elefantes com a cabeça de tubarão-martelo. Veja em 3D, por favor, senão metade da brincadeira perderá a graça.

Mas e a história? Tenha a santa paciência! Depois de ter visto tudo isso, você ainda quer uma história? Avatar faz parte daquele tipo de produto nos quais as cenas são mero pretexto para originar grandes batalhas, voos descomunais e tudo mais que os olhares conseguirem captar. Quer um conselho? Vá ver o filme como quem fosse para um grande parque de diversões.

500 DIAS PARA FICAR COM ELA

2010-01-11T23:40:00.002-02:00

Água mole em pedra dura...

Por André Leite

"Essa é a história de um rapaz que conhece uma garota. Mas, devo lhes dizer, isso não é uma história de amor". Assim começa o filme, que, igual aos contos de fadas, é narrado a princípio por uma possante e profética voz. Mas as semelhanças acabam por aqui. O romântico e desiludido rapaz passa uma boa parte dos 500 dias tentando – com algum relativo sucesso – conquistar sua princesa. Mas existe um problema: ela não acredita no amor.

Parece um filme bobinho e, pelo título, triste. Ledo engano; o diretor foi esperto e por meio de alternadosflashbacks, vamos conhecendo pouco a pouco o que aflige e assusta tanto na vida a dois além das hilárias tentativas que ele faz para conquistá-la. Os capítulos são mostrados aleatoriamente e avisados por meio de uma legenda. Por exemplo: do 5º dia pula para o 345º dia, depois volta para o 20º e assim por diante, até esse quebra-cabeças ser montado. Complicado de explicar, simples de ver.

A trilha sonora, então, é um presente para nossos ouvidos, desfilando com muito bom gosto, de Smiths – a cena do primeiro, digamos assim, encontro é perfeita e inusitada – à Carla Bruni, passando por Simon & Garfunkel e por ai vai...

Ao término do filme ficamos contentes, pois o que é mostrado é que a vida nos prega peças: o mais importante é aproveitar as oportunidades pois a vida é assim mesmo...

ACONTECEU EM WOODSTOCK

2010-01-11T23:33:00.002-02:00

Essa grama tem poder!

Por André Leite

Ei! Ei! Você se lembra das minhas montanhas verdes e lascivas? Continuam as mesmas. Já os frequentadores... quanta diferença.

Ang Lee, o cineasta dos amores impossíveis, está de volta numa deliciosa crônica sobre o que aconteceu aos habitantes e à caipira cidade de Bethel, Nova York, em geral, ao ganharem como vizinhos um festival que tinha um só lema: três dias de paz & música. Os números impressionam: 500 mil pagantes – fora os penetras, distribuídos entre os 600 acres da fazenda de Max Yasgur, em plena era do conflito do Vietnã, no ano de 1969. Foi uma festa de todos os prazeres: auditivos, sexuais e lisérgicos.

Lá a única preferência era pela alegria e harmonia com todos, todos mesmo. Até alguns guardas entraram na Era de Aquário, desfilando a princípio com suas possantes e viris motos com uma flor do campo presa no capacete – e “dando” depois uma voltinha a pé, para sentir mais de perto.

Nessa divertida e inusitada comédia, até o elenco surpreende. O “parrudão” Liev Schreiber – o vilão Dente-de-sabre no filme Wolverine – faz o papel de um travesti! Fora a impagável mãe do protagonista adolescente, que rouba a cena a cada vez que aparece. Pena que o cineasta esgotou toda audácia filmando a troca de armas dos cowboys nas montanhas de Brokeback. Em se tratando de um filme que teve os bastidores de um festival como esse, ele poderia ter ousado muito mais.

Mesmo assim vale a pena assistir e lembrar que houve um tempo no qual o único vírus que circulava era o do prazer...

ABRAÇOS PARTIDOS

2010-01-11T23:29:00.001-02:00

Os cinco sentidos de Almodóvar

Por André Leite

A filmografia do diretor Pedro Almodóvar poderia ser facilmente comparada em três fases. A primeira, mais ingênua em conteúdo, porém repleta de brincadeiras e anarquias em filmes como Pepi, Luci, Bom y Otras Chicas del Montón(1980). Mas, como toda criança, ele também cresceu em fama e reconhecimento – elementos cruciais para a sobrevivência de um cineasta, com ou sem qualidades. E a partir de Matador (1986), mergulhou fundo em alguns temas mais viscerais com uma ferocidade juvenil. Lei do Desejo (87) define bem esse período: um diretor gay e promíscuo – seria autorreferência? – é perseguido por um Antonio Banderas como diria minha avó “cheirando a leite de tão novinho”, que, após uma única noite de sexo animal, passa a penetrar na vida do diretor como um psicopata. As cenas de uma conhecida posição que envolve uma ave queimada eram tão realistas, que Banderas, depois de virar um ator internacional quis – sem êxito – recolher as cópias! Xuxa fez escola...

Com Tudo Sobre a Minha Mãe (1999) ele atingiu o amadurecimento. A história da mãe que perde o filho e se envolve com um travesti e uma freira com HIV rendeu a Almodóvar muitos prêmios, inclusive o de Melhor Filme nos principais festivais de cinema do mundo, como Goya (Espanha), Palma de Ouro (França) e o norte-americano Oscar (como Melhor Filme Estrangeiro) entre outros. Mas, com diria o ditado: “Depois da tempestade vem a bonança”. E ela chegou com os novos filmes, que apesar de não serem geniais, sempre valem uma olhada. Alguns com mais entusiasmo, como Fale com Ela e Volver, outros mais curiosos, como o irregular Má Educação (2004).

Abraços Partidos faz parte dessa categoria. Aqui vemos um diretor comportado – até demais –, com pudores nunca vistos. Porém, o filme tem seus achados, como a “espetada” que ele dá sutilmente nas séries de filme/livro do tipoCrepúsculo e Harry Potter. Ou o doloroso momento em que um tal “personagem” se despede dublando a própria fala e gestos de uma filmagem num perturbador exercício de metalinguagem.

E para quem conhece a filmografia, as autorreferências são inúmeras e bem significativas. Tem a cadeira de rodas de Fale com Ela, o gay compulsivo de Lei do Desejo, os saltos altos vermelhos do filme homônimo (1991) e o tal drink com tomates e comprimidos de Mulheres à Beira de um Ataque de Nervos (1988). Só que aqui tem um detalhe: antes quem chorava era a Carmen Maura preparando a tal bebida. Agora, apenas uma lágrima é derramada, escorrendo pela pele de um triste tomate... Almodóvar agora quer “sentir” seus filmes. Detalhe facilmente identificável pelo personagem do diretor cego.

LUA NOVA

2010-01-11T23:21:00.001-02:00

Poucos são os filmes que recebem uma divulgação tão farta quanto Lua Nova – a segunda parte da saga Crepúsculo. Foram mais de três meses; você entrava numa banca de jornal e lá estava estampada a foto do casal protagonista. Ia ao cinema e já estava passando o teaser (tipo de material publicitário menor do que um trailer, que mostra apenas alguns rápidos e intrigantes detalhes) do filme. Depois vieram os trailers, tanto que para quem vai ao cinema toda semana, foi possível até decorar as falas...

Meus leitores, não se enganem. O filme é fraco e praticamente repete na primeira parte toda história do primeiro longa: garota humana se envolve com um rapaz, que vira guarda-costas e não deixa que nada nem ninguém faça mal a ela. Mas como a jovem atrai mais perigos do que uma virgem – ingênua e comportada – na penitenciária, um dos vampiros "maus" reaparece querendo sugar o seu quase imaculado sangue. Então, seu novo namorado – um moreno anabolizado e sem camisa – se tranforma, para espanto dela, num enorme lobisomem de quatro patas.

Mais uma vez, a bela tem que pagar o preço por namorar pessoas diferentes. Seria isso uma metáfora para esses casais interraciais? E o garoto? Final da adolescência – antes era dócil – e começo da vida adulta, agora selvagem. Se o filme fosse por esse caminho, seria até interessante. Porém, o que vemos na tela é a clássica sucessão de clichês culminando num final que poderia ser escrito até pelo Manoel Carlos. A única coisa que melhorou do filme anterior para este é que o protagonista vampiro aparece muito pouco. Há muito tempo que eu não via um ator tão sem graça e inexpressivo como Robert Pattinson. E a heroína também não ajuda. Não há química entre os dois – diferente de quando ela conhece o menino-lobo. E como se não bastasse, enquanto os vampiros são gelados, os lobisomens têm a pele quente!

Apesar disso, não é um filme tão ruim de se ver. A parte técnica é perfeita, as músicas se encaixam bem à ação e ainda tem, de brinde, uma mega-ponta da ex-atriz mirim Dakota Fanning. Seu último trabalho mais visível foi o de filha do Tom Cruise no irregular Guerra dos Mundos, de Spilberg. Quando ela entra em cena, o filme cresce. E para melhorar ela é má, muito má!

E pensar que esse filme teve o recorde de melhor abertura de todos os tempos na última sexta-feira, com 72,7 milhões de dólares nos EUA, incluindo exibições à meia-noite e pré-vendas. O romance vampiresco tirou o posto deBatman – O Cavaleiro das Trevas, que havia feito 67,2 milhões em 24 horas no ano passado. Vá entender.

DEIXA ELA ENTRAR

2010-01-11T23:16:00.001-02:00

Por que o mito do ‘Vampiro” nos fascina tanto? Afinal de contas, ele é um assassino... Se não levar em conta essa nova onda criada pela escritora Stephenie Meyer, na qual os vampiros são sarados, lindos, loiros e alguns até bonzinhos. Estereótipos à parte, acho que o paralelo maior entre esses seres chupadores e nós é tão simples quanto uma gota de sangue. Eles estão sempre em busca do par ideal e de afeto – e quem não está? Essa procura pode ser brutal (Nosferatu), erótica (Drink no Inferno), elegante e estilosa (Fome de Viver e Drácula, de Bram Stocker ), ou apenas ocasional como é mostrado na premiada producao sueca Deixa Ela Entrar.

Se você exergar mais de perto, verá que – apesar dos assassinatos – é uma historia de amor e dedicação que vai se construindo aos poucos. O mais interessante é que a pequena vampira e seu escolhido loirinho e solitário têm apenas 12 anos de idade, o que a torna uma mistura de ritual de passagem com tudo a que se tem direito. O primeiro beijo, o primeiro sexo, o primeiro flerte.

Esqueça as câmeras rápidas, os efeitos especiais, gritos de horror e muito menos uma trilha sonora que aumenta seus acordes durante os assassinatos. O filme surpeende justamente por isso. Aqui não existe a intenção de chocar e sim de contar uma intrigante história pouco a pouco. Não existe nada pior do que você ver o seu ser amado envelhecendo (ou indo embora) e não poder fazer nada, restando apenas a tentativa de se distanciar e colocar alguém no lugar.

É uma história sobre uma eterna vampira, mas bem que, tirando alguns detalhes fantásticos, poderia até ser a nossa. Como é mesmo aquela frase que o padre católico diz no altar finalizando a cerimônia de casamento? Lembrei: “Que essa união seja eterna ou até que a morte os separe...”

DO COMEÇO AO FIM

2009-12-03T17:01:00.006-02:00

“Eu abri os olhos de pois de três semanas de nascimento assim que meu irmão se aproximou do berçário,” narra o mais novo. A partir daí o que se vê é a construção de uma inusitada relação incestuosa entre irmãos até a maioridade, com muito amor e entrega total.

Lendo a sinopse pura e sem nenhuma outra referência, comparamos diretamente ao brilhante e obsceno escritor Nelson Rodrigues em mais de um dos seus picantes contos da vida como ela é. Mas, como diria o dito popular , “ o buraco é mais embaixo”:

Aqui nada é confrontado. Todos aceitam como se fosse a maior naturalidade dois irmãos se amarem até nos lençóis . A história e bela, emociona em parte pelas atuações perfeitas: com destaque para uma interpretação cheia de nuances e silêncios de Julia Lemmertiz e os dois irmãos – principalmente o menor nas duas fazes em que acontece a trama. Mas ...e o ponto de conflito? Afinal estamos falando de sexo entre irmãos. ..Esqueça .No filme não há espaço para nada dar errado ... até na decoração da casa ,onde o excesso de limpeza e organizaçao ( A empregada esta sempre limpando )A palavra de ordem é uma só : Harmonia ,simbolizada pela luz e pelos móveis todos claros e brancos, bloqueando qualquer sujeira ou sombra que possa imacular aquela adorável familia, criando uma perfeita casa de bonecas ( sem trocadilhos, por favor). A crítica negativa maior que tenho lido é a de que faltou uma ousadia na narrativa, tudo porque quem escreveu e dirigiu foi o sempre autoral cineasta Aluizo Abranches que apesar de possuir uma filmografia pequena possui destaque pelos temas e no modo em que são filmados, como em Um Copo de Cólera, inspirado no livro de Raduan Nassar ou o pouco visto As Três Marias onde uma família de mulheres se compometem numa historia de assassinatos e vingança no sertão pernanbucano.

Apesar das –muitas – críticas à falta de ousadia, o filme seus pontos positivos: A música é bela e usada sem clichês , a fotografia-apesar da predominância da pacificadora cor branca- realça com detalhes tudo que há de mais belo no filme , desde a inocência do irmão menor em ambas as partes até as varias tomadas de quarto , numa intimidade que qualquer gênero de sexualidade desejaria ter com alguém que está a seu lado.

Pra você que ultimamente só tem visto o sangue jorrar, mortos-vivos dançarem, prédios caírem e cabeças serem escalpadas, vá relaxar um pouco com um bom conto de fadas sem a típica “moral da historia”que todo conto tem. Continuando na infância , esse filme esta mais para aquela brincadeira onde se diz: Cada Macaco no seu galho! E as crianças correm enloquecidas procurando algo para se firmarem ou proteger da prenda imposta. E alguns, estao correndo até hoje....

* OS AMANTES

2009-11-02T00:32:00.002-02:00

Ele é um desajustado e já tentou o suicídio; a loira é insegura e frágil; já a morena é sóbria e doce. Três pessoas distintas, um desejo: não ficar só. Amantes é filme de amor. Mas não pense que verá cenas de um romântico casal passeando na areia da praia ao pôr do Sol. Aqui o amor machuca, dói e é sofrido; uns em silêncio, outros em desespero.

Da janela indiscreta do seu quarto, o rapaz, acompanhado apenas por um solitário peixe aprisionado no aquário, observa sua deusa loira se arrumando para uma noitada. Em outra cena, lá no meio da história, ele conversa novamente com ela. Mas a imagem entre eles agora é outra. Num jogo ótico de enquadramento, as grades da escada de serviço se colocam na frente da janela dela. A mensagem é clara: é um amor proibido e aprisionado na garganta. A música também se faz presente quase como uma extensão dos diálogos: Pavarotti chora “Una Furtiva Lagrima” nos alto-falantes do seu quarto quando ele faz sexo; em outra cena, Mercedes Sosa é ouvida num restaurante à beira da praia cantando “Estranha Forma de Vida” em fado: “Foi por vontade de Deus que eu vivo nessa ansiedade”. Nesse momento, as cicatrizes herdadas pela tentativa de suicídio – após o abandono de uma paixão – são reveladas acidentalmente.

As imagens também não ficam para trás. No outro encontro, a namorada oficial e equilibrada lhe dá de presente um par de luvas. “Ela” é a própria luva na vida dele: aconchegante e confortável. Perfeito. Este é um filme para se ver com cuidado. Ver, ouvir e refletir num pequeno enigma: o que vale mais a pena, ser artista ou fã?

* DISTRITO 9

2009-11-02T00:30:00.003-02:00

Distrito 9 não é um filme de ETs. Aqui a ameaça não vem do espaço, e se existe algum tipo de invasão, é a do próprio ser humano nos direitos dos outros. A história é simples: vinte anos atrás, uma nave espacial é encalhada na cidade de Johannesburgo, no continente africano. Impossibilitados de retornarem ao lar, o governo cede aos visitantes desnutridos e acuados um lugar para viverem: um campo semelhante ao um depósito de lixo, cercado por arames.

Dali para a favelizaçao do lugar é um pulo. Eles, acuados como ratos de esgoto, vivem nessa comunidade procriando e alimentando-se de carnes podres entre outros restos, sem direito a saírem. A cidade é totalmente hostil. Placas são expostas em quase todos os lugares: “proibido para ETs”.

A referência é explicita – o Apartheid (movimento criado em 1948 no qual os brancos, sempre eles, eram soberanos a todas as outras raças). Até que os governantes decidem dar ordem de despejo a todos, cedendo um outro espaço bem mais longe da cidade. É aí que o filme dá uma inusitada virada... O mais interessante é a troca de papéis entre os sempre “bondosos” humanos e os “terríveis” ETs. O monstro aqui é a intolerância dos seres humanos de viverem em harmonia com o diferente. Um filme para pensar.

*NA NATUREZA SELVAGEM

2009-11-02T00:25:00.003-02:00

Qual é o verdadeiro sentindo da liberdade? Será que conseguiríamos viver desprovidos de qualquer capital, fazendo da natureza mais hostil um supermercado infinito de sabores, sensações e sentimentos? O aventureiro Chris – protagonista verídico do filme Na Natureza Selvagem, lançado em DVD recentemente – acreditava que sim.

Assim, ele mudou o nome para Alexander Supertramp (“vagabundo” em inglês) e começou a jornada munido apenas de confiança, juventude, livros, uma grande mochila e seu antigo veículo. Meta? Alaska! Mas a própria natureza o expõe à primeira grande prova, fazendo-o perder seu aconchegante veículo "uterino" para uma agressiva enchente. Concluído o batismo subjetivo, onde a mamãe natureza foi testemunha e sacerdotisa, o nosso andarilho recolhe sua mochila e parte para a estrada com o otimismo típico dos jovens idealistas.

O difícil convívio com o pai hipócrita e a mãe submissa, relatados no filme através do diário e das lembranças da irmã – seu único alicerce emocional – ajuda-nos a compreender um pouco toda a explosiva necessidade de renascimento, livre de obrigações sociais. Figuras simbólicas são encontradas durante o caminho, valorizando as relações e traçando aqui um interessante paralelo com a vida comum: o casal de hippies (a mãe e o pai), a menina solitária (namorada), o empresário rural (emprego, irmão mais velho) e o artesão solitário (avô). Este, o momento mais sensível e incrivelmente belo do filme. A cena em que o idoso pede com os olhos marejados para ele desistir desse caminho sem volta é de emocionar o mais duro barril de carvalho. Valendo aqui uma indicação (perdida) para o Oscar de Melhor Ator Coadjuvante.

O gelo, a simplicidade e a solidão de ideais viram algozes e, num momento de extrema comunhão com o universo, ele descobre o sentido da vida e escreve aquilo que seria o seu mais nobre epitáfio: “a felicidade só é real quando compartilhada”.

OS SUBSTITUTOS

2009-11-02T00:17:00.002-02:00

Junte um Blade Runner fresco, duas xícaras de Wall-E, uma colher de sopa de O Vingador do Futuro, uma pitada de Arthur C. Clarke, um Isaac Asimov inteiro, uma porção de Westword, Onde Ninguém Tem Alma com caroço e com peles e, por último, um Matrix levemente batido. Seria uma ótima torta, porém, Jonathan Mostow (diretor de O Exterminador do Futuro 3) não teve uma boa mão para doces e acabou solando esse bolo...

Num futuro próximo, uma empresa – Microsoft? Apple? – criou um protótipo que “vive” o dia a dia do seu dono vivendo tudo que ele sempre quis fazer mais nunca pôde ou teve vergonha. No meio dessa sociedade robotizada, um grupo de rebeldes – humanos que se recusam a serem bonecos – cria uma sociedade alternativa, vivendo numa espécie de fazenda modelo proibida para os robôs. Até que, então, aparece alguém com uma arma com força suficiente para matar não só os robôs, como também os humanos que estão nas suas casas manipulando-os. Super Bruce Willis é o encarregado de investigar o que existe por detrás desses bits e desejos reprimidos.

O filme poderia ser muito mais interessante, afinal o futuro que ele projeta já está muito próximo: quantas operações já não foram feitas à distancia? E as pessoas não criam personagem nesses games simuladores de vida como The Sims? Sem falar nas salas de bate-papo – eróticas na maioria –, nas quais é muito comum um homem se passar por uma virgem de 15 anos ou apenas mentir na própria definição, encolhendo barrigas e exagerando nos diâmetros de outros músculos mais salientes.

Mas o filme resolveu ficar no papai-mamãe e não foi fundo na questão. E no futuro? Serão as máquinas dominadas ao nosso dispor ou isso tudo é mais um spam? Na dúvida, delete esse filme e reinicie sua escolha.

O ANTICRISTO

2009-09-03T00:40:00.001-03:00

No começo, a fotografia é toda em preto e branco, justamente para acentuar a dramaticidade da cena: um casal faz sexo explícito debaixo de um chuveiro ao som da ária Lascia Ch’io Pianga, de Haendel. A letra contrasta e já prepara para o que está por vir: “Deixe-me chorar pelo meu destino cruel, porque desejo liberdade”, canta a soprano. E entre beijos, abraços e genitais, uma morte é concebida: o bebê do casal sai do berço e, meio trôpego, escorrega da janela, caindo fatalmente junto com o seu urso de pelúcia. A morte da inocência.

Assim são os paradoxais primeiros minutos do mais perturbador filme do dinamarquês Lars Von Trier, intitulado O Anticristo. Numa vã tentativa de se livrar do trauma, o casal parte para uma cabana no meio da mata – a floresta do Éden. Mas a mulher não se conforma e o marido tenta desenvolver um trabalho de psicanálise, descobrindo tardiamente que ela já entrou em trabalho de suicídio há tempos. Portanto, o tratamento não evolui.

O sexo aqui entra como elemento paralelo com a própria morte, afinal a cada crise ela quer o gozo sofrido, doído. Já dizia o filósofo Lacan que sexo, gozo e morte estão interligados. Pois aqui isso vale quase como regra e estímulo. A cena em que transam nas raízes de uma velha árvore é terrivelmente bela e desesperadora. No tal Éden, imagens de animais parindo e podres convivem com uma assustadora vegetação – “A natureza foi criada pelo diabo”, diz ela.

Definitivamente, não é um filme para estômagos fracos; cenas de mutilações se misturam a um asqueroso gozo – de sangue – de um falo ereto. Repleto de metáforas, o filme faz pensar e é daqueles que ou você detesta e sai no meio ou então se entrega nesse estranho pesadelo criado pelo diretor numa forma de exorcizar uma fase depressiva que passou. A escolha é sua, mas não diga depois que eu não avisei....

GLÁUCIO CHRISTELO

2009-09-03T00:35:00.002-03:00

Semana passada entrei num shopping com um amigo e imediatamente identificamos um piano tocando os primeiros acordes de uma música do Coldplay. Deixamos as compras de lado e saímos à caça daquelas belas notas musicais. O “tal autor” era um jovem pianista no saguão térreo, de tênis, jeans, cabelos grandes e encaracolados, desconstruindo toda aquela formalidade que normalmente o piano exige. Ali, o virtuoso estava na alma.

Porém, o que mais me chamou atenção foi o jeito de tocar: Glaucio Christelo teclava seu instrumento com um grande e belo sorriso. Apesar de jovem, seu currículo inclui alguns espetáculos teatrais, contribuições para as minisséries da TV Globo como Um Só Coração e muitos outros feitos – ele também é professor... de piano, é claro!

No dia 1º de setembro fará o lançamento do CD Piano Rock na abertura do show do grupo As Ruanitas, composto apenas por belas mulheres cuja música “Vaza” foi uma das mais tocadas na trilha 2008 da novela Malhação.

Site p compra do CD:

http://www.glauciochristelo.com.br/

BRUNO

2009-09-03T00:28:00.001-03:00

Sacha Baron Cohen está de volta. Para quem não está ligando o nome à pessoa, ele foi o ator que enganou meio mundo – mesmo – filmando um documentário nos EUA na pele de um repórter do longínquo Cazaquistão, na Ásia. Borat custou apenas 18 milhões de dólares e rendeu a incrível quantia de 200 milhões! A grande sacada do filme foi o próprio personagem, que se apresentava como jornalista, e o povo – ingênuo – o recebia, sendo ridicularizado ao extremo, pois o filme atirava para todos os lados. Antissemita, homofóbico, repugnante e outras palavras não publicáveis eram as referências mais comuns ao falarem desse hilário e às vezes escatológico filme vencedor do Globo de Ouro de 2007 como Melhor Ator de Comédia, além de ser indicado ao Oscar de Melhor Roteiro. Nada mau para um projeto que nasceu num programa humorístico.

Novos tempos, novo público: Sacha raspou o bigode, trocou o terno bege por um belo e minúsculo shortinho de vinil e agora se chama Bruno! O mundo da Moda – ou fashion para os “descolados” em geral – é o seu novo alvo. E a metralhadora volta a atirar, só que de uma forma mais cínica, usando o seu jeitinho extrovertido e gay assumido para tecer os comentários e críticas; das adoções de crianças por artistas como Madonna e Angelina Jolie, até o fato de usarem uma roupa nazista em nome da Moda. Ele também é corajoso e vai direto à cova dos leões entre outros bichos: a Fashion Week de Nova York, tirando definições absurdas dos seus entrevistados com a maior naturalidade. "A moda salva muito mais vidas do que médicos", sentencia um diretor de casting (responsável pela escolha dos modelos). Tudo na maior seriedade... da Moda.

G.I. Joe

2009-08-17T00:01:00.001-03:00

Proibido para maiores de 15 anos, o filme estreou praticamente sem nenhuma promoção à altura dessa megaprodução. Esta foi a estratégia adotada para não dar tempo para que os tão temidos críticos de cinema dessem o veredicto, como aconteceu com o segundo Transformers, que apesar de ter rendido muito, foi massacrado – com razão – pela opinião em geral. Infelizmente, os estúdios – e os críticos – estavam certos, pois foi o mesmo que aconteceu com o novo produto; G.I.Joe é ruim de doer! Não há barulhos, explosões ou aviões supersônicos que resistam a diálogos do tipo: “Nós somos americanos e nunca perdemos. Eu nunca pensei que fosse capaz de fazer isso! Sim você é, afinal você é um soldado da força mais poderosa do mundo!”. E tudo isso dito por um sargento (Dennis Quaid, caricato como nunca) com voz empostada e música de triunfo ao fundo. O filme basicamente é um Mortal Combat do tipo “vamos ver quem luta melhor ou quem tem a arma mais poderosa; eu mostro o meu e você mostra o seu e: Bum! SoC! Pow!” Começa então mais um festival de onomatopeias que fariam as tramas dos antigos episódios do Batman na TV parecerem Shakespeare! No final de tudo, a sensação é a de que vimos um grande trailer do último jogo para Playstation...

EFEITO BORBOLETA 3

2009-08-16T23:57:00.002-03:00

Quem já não desejou voltar ao passado para corrigir algum tipo de erro? Às vezes, o que começa como um contratempo pode tornar-se um ganho mais à frente. Meio enrolado, não? Explicando melhor: digamos que você, ao chegar em casa, esqueceu de ouvir os recados na secretária eletrônica, perdendo uma grande festa. Distraído, resolve, então, ir ao cinema e lá encontra alguém e se apaixona. Perdeu a festa, mas aconteceu algo que mudou radicalmente a sua história. E se você tivesse ouvido os recados? Efeito Borboleta é sobre as possibilidades da vida. O que ele ensina é que às vezes um pequeno detalhe ocasiona uma grande mudança de vida no futuro. O personagem principal tem o dom de “voltar ao passado” por meio de um processo que envolve água (nascimento, útero?) e gelo (congelar o tempo, talvez?). Tentando corrigir um antigo trauma de infância, ele cada vez mais vai se enrolando, navegando por várias possibilidades da sua própria vida. Roteiro um pouco confuso e boas interpretações num filme que, infelizmente, passou despercebido no circuito. E se ele tivesse entrado em vários cinemas com uma boa dose de publicidade? E se o ator principal fosse o Brad Pitt? E se eu não tivesse visto? Que filme? Hã?

INIMIGOS PÚBLICOS

2009-08-16T23:48:00.002-03:00

Existem temas universais de filmes, a ponto de já sabermos como vai se desenrolar. Às vezes o – agora meio enferrujado – Tarantino até nos surpreendia quando, no começo de um filme policial sem-vergonha, matava o ator principal, mexia na edição e, assim, apesar de morto, mas não um fantasma, convivíamos durante toda a projeção com aquele personagem. Desculpem-me se a introdução foi um pouco grande, mas tudo isso foi apenas para dizer que hoje dia é cada vez mais raro esse tipo de surpresa. E seguindo à risca em Inimigos Públicos, só temos uma e é um pouco indigesta: o filme é escuro, por ser filmado em HD. E tome cenas nas quais até os poros do cultuado – não por mim – Johnny Depp ficam à mostra quando resolve ser iluminado. Mas a história verídica do gangster não é um filme formal; e eu falo isso com pesar. Ao final da exibição, continuamos sem saber quem foi aquele homem – meio Robin Hood, meio romântico –, quais eram seus medos, ideias e desejos, além de fugir para bem longe, pra lá de Cuba e do Brasil, segundo ele mesmo confidencia mais de uma vez numa das poucas vezes em que fala de si. A câmera, por ser manual, estava sempre se mexendo, o que causava um incômodo maior, pois além de não mostrar direito as cenas, as tomadas eram rápidas. Realmente? Se quiser ver um bom filme de gangster, além dos clássicos Bonny & Clyde e a trilogia de O Poderoso Chefão, pegue Os Intocáveis, Os Bons Companheiros ou até mesmo Cassino, quase uma continuação do último. Agora, se seu caso for o Johnny Depp, as opções aumentam, desde o bom filme De Volta à Terra Encantada até as interpretações caricaturais como Jack Sparrow em Piratas do Caribe, em que faz um tipo que junta os trejeitos do cantor Prince e o tom farsesco de um bufão como Keith Richards, dos Stones! Pra quem gosta...

JEAN CHARLES

2009-07-28T22:31:00.001-03:00

A história de um drama sem redenção

Por André Leite

O povo brasileiro não gosta de drama. Na temporada teatral, as melhores bilheterias, com algumas exceções, sempre ficam com as comédias, sejam elas boas ou não. No cinema, os filmes podem até ser um pouco dramáticos, porém no desfecho tem que haver a redenção, do contrário a bilheteria não decola. Quer um exemplo? Dois Filhos de Francisco. Os caipirinhas perdem o irmão, comem o pão que o diabo amassou, mas no fim tornam-se astros e ricos. Aí você me corrigirá dizendo que Tropa de Elite não tem nenhum tipo de cena como essa e foi um sucesso. Discordo, não do sucesso, mas da resposta. No Tropa quem sofre a redenção do sistema somos nós, os expectadores. Afinal, a boa polícia faz uma verdadeira faxina moral e violenta matando os bandidos, e com isso saímos vitoriosos e nos sentindo mais seguros.

Esse, a meu ver, foi o grande problema do fraco desempenho do filme Jean Charles, que conta a trágica história do brasileiro confundido com um terrorista e assassinado por agentes do serviço secreto britânico em pleno metrô de Londres. Apesar de ter sido uma tragédia, o assunto não teve a repercussão que merecia e, meses depois, virou mais uma triste notícia no meio de tantas outras tragédias diárias com as quais infelizmente temos que conviver. E olha que o filme é bom. Mesmo.

Selton Melo, como protagonista, cativa o expectador vivendo o jovem mineirinho, fazendo pequenos trambiques para sobreviver à dura vida do emigrante, recrutando o máximo de conterrâneos para atenuar a sensação que todo brasileiro sente longe dos trópicos. Pena. Mas o público atualmente prefere viajar em outra companhia: a dos robôs assassinos e das habilidosas vassouras, que apesar de serem duras não machucam tanto, servindo mais para varrer a sujeira para debaixo do tapete.

HARRY POTTER E O ENIGMA DO PRÍNCIPE

2009-07-28T22:27:00.001-03:00

Em Harry Potter e o Enigma do Príncipe, criador e criatura se completam e dão o tom deste novo filme de um dos bruxos – junto com Paulo Coelho – mais famosos do planeta. Tudo amadureceu, desde o ator Daniel Radcliffe, que já demonstra alguns traços e desejos mais viris, até a fotografia, que em algumas cenas parece ter saído do céu revolto pintado numa tela do francês Géricault. Porém – citações à parte –, como diz o velho ditado, algumas coisas até caem de tão maduras...

Os amores sublimados foram postos para fora, sentimentos como ódio e inveja saíram das sombras e, principalmente, os laços de amizade ficaram bem definidos. Mas tudo tem um preço, e junto com o amadurecimento geral veio um gostinho amargo e saudosista do tempo em que a magia era a principal protagonista do filme – cadê o chapéu falante e o bichinho mutante, o alado Bicudo?

Uma coisa é um filme sombrio e aventureiro como foi O Prisioneiro de Azkaban, sem dúvida o melhor de toda a saga até agora, outra coisa é ser dramático e romântico como um romance gótico. Taí uma boa definição: Harry Potter é gótico, em estilo e essência.

DE REPENTE, CALIFÓRNIA

2009-07-28T22:18:00.005-03:00

Gay e limpinho demais

Duas pessoas se conhecem. Após um breve (e quente) encontro, se separam. Daí entra o elemento “vilão”, que pode ser qualquer coisa: trabalho, tradição, filhos, ciúmes. Mais tarde, entram em contato, resolvem as diferenças e vivem felizes para sempre ou até a parte dois, dependendo da bilheteria rendida.

A diferença aqui é que os dois são homens: um é o verdadeiro gato borralheiro – em todos os sentidos: tem um pai ausente, uma irmã mais preocupada em agradar os muitos namorados que arruma como garçonete e um sobrinho fofo do qual se sente responsável. Trabalha numa lanchonete e possui um grande talento para as artes. Porém, como tudo na sua vida, não assume, afinal ele é grafiteiro e os desenhos são constantemente apagados dos muros. Até a sua calça jeans é a mesma há mais de três anos. Já o outro é tão perfeito que incomoda: surfista, escritor com uma obra já publicada, homossexual assumido, formas na medida certa, nenhum dente cariado e ainda tem uma casa de praia! Esse personagem não deve nem ir ao banheiro, de tão asséptico!

A estética do filme é tão pasteurizada, que parece que a qualquer momento você verá uma nova marca de margarina entrar em cena. Eu disse margarina; não confundam com a famosa manteiga de Marlon Brando em O Último Tango em Paris. Afinal, as demonstrações de afeto mais picantes vistas são alguns abraços e uns beijos de Hebe Camargo. Perfeito para levar as mães, o filme faz o gênero gay-mas-é-limpinho... até demais.

BIBI CANTA E CONTA PIAF

2009-07-28T22:13:00.002-03:00

Bibi Ferreira e Edith Piaf; duas mulheres, dois ícones, duas divas. O bom apreciador das artes dramáticas não tem como citar uma sem lembrar da outra. Nunca houve na história do teatro brasileiro alguma artista que traduzisse à perfeição todas as nuances e canções de Piaf como Bibi. Uma “parceria” que nasceu em 1983, ano em que estreou o musical sobre a tão sofrida história desse rouxinol protagonizado por nossa estrela.

Para aqueles que não tiveram o privilégio de ouvir canções como “La Vie en Rose” e “Non, Je Ne Regrette Rien” entre outras, terá uma nova oportunidade. O Teatro Maison de France está fazendo uma pequena temporada todas as terças e quartas de julho, sempre às 20h. O espetáculo Bibi Canta e Conta Piaf não é exatamente a mesma peça do passado. Esta é uma versão em concerto. Porém, o brilho e a emoção continuam, afinal ouvir Piaf... ops, Bibi c'est magnifique!

INTRIGAS DE ESTADO

2009-07-03T02:46:00.001-03:00

Este é um daqueles filmes típicos em que ficamos acompanhando e juntando peças o tempo todo. O repórter que Russel Crowe faz é do tipo que tem fontes, conhece o submundo, é amigo dos vigilantes e sabe bem como bater papo com os excluídos sociais. Como antagonista, uma garota recém-formada que tem como melhor talento a obstinação e a navegação pelas ondas da Internet. Existe também uma crítica mais implícita do moderno x tradicional, como numa cena que para mim define bem isso: a “blogueira”, no meio de uma importante investigação, consegue um furo de reportagem e um colega de redação pergunta: “Vai pôr no blog? Não! Ela é muito importante e quero que as pessoas leiam.” Engraçado , no meio de toda revolução digital , um frase dessas no roteiro... A história gira em torno do assassinato de uma assistente-amante de um poderoso congressista às vésperas de um escândalo envolvendo vários políticos. No elenco, os oscarizados Russel Crowe e Helen Mirren, e no papel da dona do blog, Rachel MacAdams.

TRANSFORMERS 2

2009-07-03T02:36:00.004-03:00

Um herói adolescente atrapalhado, duas gatas (uma loira e outra morena), muitos nerds, um medroso, pais zelosos e surtados, animais engraçadinhos, oficiais belos e viris, um negro bom, um político imbecil, um coronel patriota, um objeto especial e a missão de salvar a Terra. Somado a tudo isso – ufa! –, seres bons para proteção e outros maus para destruição. Parece familiar? E é mesmo. Você com certeza já viu essa história antes. Só que a diferença era que, pelo menos, esse tipo de filme distraía durante a exibição. Em Transformers tudo é exagerado; desde o som até as irritantes tomadas. Faça o teste – eu fiz – e comprove; você não consegue contar até vinte entre um close e outro! O motivo aqui é muito simples; não deixar o espectador pensar muito no que esta vendo, como se precisasse...

A FESTA DA MENINA MORTA

2009-07-03T02:31:00.003-03:00

Matheus Nachtergaele é um diretor de atores. Quem já o conhece como ator, consegue vê-lo em todos os personagens e tomadas de cena: desde a sexualidade masculina dos protagonistas, que é pulsante na pele do moreno Juliano Cazarré, até seu alterego Daniel de Oliveira – brilhante, fazendo uma espécie de, com todo o respeito, bicha do mato. Sua entrega é total. Na pele de Santinho, uma espécie de pai-de-santo rural, ele grita, esperneia e rouba o papel de mãe da casa, vivendo uma relação incestuosa – e prazerosa – com o pai Jackson Antunes, perfeito, como todo o elenco. E é ele também que cuida para que a crença na “menina morta” não acabe e daí perca todas as regalias que a cidade lhe concedeu. Afinal foi para ele que um cachorro entregou, entre os dentes, um vestido infantil todo ensanguentado da tal criança. Apesar de ser um filme regular, ele vale cada fotograma pelas boas cenas. Preste atenção como é transformada uma cena emblemática e incômoda de um pai sodomizando o filho, tornando-a sutil e, acredite, sensual e libidinosa. Deixe os canos de revólveres e as bolas para o escanteio e creia: existe ainda muitos temas para serem explorados no cinema nacional; muitos mais do que imagina a sua vã filosofia...

A MULHER INVISÍVEL

2009-06-26T00:05:00.001-03:00

Piada do ano: Luana Piovani é a mulher invisível! Meus caros amigos, invisível ficamos nós perto daquela deusa que já habitava o imaginário masculino – e por que não, feminino também? – muito antes de ser o fruto ou apenas surto de um jovem com o coração despedaçado. E Selton Mello, não satisfeito em contemplá-la apenas, quis dar casa, comida e roupa lavada. E é aí que começa esse que se revelou um dos melhores e despretensiosos filmes do ano.

O diretor Cláudio Torres soube criar uma comédia com ritmo, diálogos divertidos e hilárias cenas. Também o time de coadjuvantes aparece o tempo todo, não deixando sumir de vista nenhum detalhe: desde o bilheteiro do cinema, feito por Marcelo Adnet, até Marli Bueno, na pele de uma indignada expectadora de cinema e testemunha ocular dos "amassos" de Selton em Luana numa poltrona de cinema no Leblon. E tem muito mais: Maria Manoella, Vladimir Brichta, Fernanda Torres, Maria Luísa Mendonça, Fernanda Torres, Lúcio Mauro, Danni Carlos, Karina Bacchi, Lúcio Mauro, Paulo Betti...

Não foi à toa que o filme acumulou mais de 800 mil espectadores em apenas 10 dias de exibição. Não perca!

-LUIZ CARLOS BARRETO "QUADRO A QUADRO"

2009-06-23T22:40:00.002-03:00

Um Flerte de Marlyn Monroe ou Uma Global ao Celular?

Quando o leitor comum folheia as páginas o seu jornal preferido -ato relíquia entre os mais jovens, e vê uma foto, não repara nos pequenos nomes , geralmente anotados bem perto da imagem: é ali que está na maioria das vezes o autor daquela que talvez seja uma das formas da artes mais subestimadas que é a foto jornalística. Não analisam a medida do esforço que o repórter fotográfico (prefiro usar o termo antigo. Alem de mais completo define melhor esses mestres numa época em que digital era apenas o nome da marca em que os dedos deixavam na cena de um crime ) Apesar da data de 2 de setembro, do qual é comemorada o dia mundial dessa turma –sim eles também tem um dia– estar longe, poderíamos dizer que as comemorações já começaram: O CCJE inaugurou a exposição Quadro a Quadro com obras de Luiz Carlos Barreto. Um dos maiores expoentes do movimento intitulado Cinema Novo, já foi diretor de fotografia- trabalhando até com Glauber Rocha em Terra e Transe, roteirista, produtor e colecionador sucessos como Dona Flor e seus dois Maridos com Sonia Braga e fracassos comerciais como a Paixao de Jacobina com Letícia Spiller . Mas foi nos anos 50 , como repórter fotográfico na revista O Cruzeiro que deu um grande impulso ao fotojornalismo brasileiro: “Naquela época formamos em O Cruzeiro uma corrente que se opunha ao fotojornalismo exibicionista e pregava um olhar contemplativo, a lá Bresson(famoso fotógrafo): a regra era não interferir, não deixar-se perceber pelo fotografado e buscar o olhar interpretativo que nasce da emoção flagrada no olhar, no gesto, na composição dos elementos”. diz Barreto .

Infelizmente nos tempos atuais quem faz mais sucesso são os paparazzi e suas incríveis e inusitadas fotos, feitas com verdadeiros malabarismos físicos e verbais. Provavelmente eles poderiam fazer muito mais porém são essas as fotos mais requisitadas por quase toda mídia impressa, afinal estamos vivendo uma época em que é o povo que dita o que (não) quer ver .E , o que antes era surpresa e deslumbramento virou banalidades com a duração dos segundos de uma virada de página, de mouse ou de um simples toque de dedo.

UMA HISTÓRIA DE BORBOLETAS

2009-06-23T22:03:00.002-03:00

“André enlouquece ao perceber que dos seus cabelos saem borboletas. Quando seu companheiro volta para casa, percebe que tudo e todos estão diferentes, até a inevitável constatação que o mau que atingiu o amado, também o tomava por inteiro. Já não era possível mais viver entre os “normais” .

Uma História de Borboletas de Caio Fernando Abreu com direção de Marcelo Aquino, volta ao Rio numa pequena temporada. A peça –como quase tudo que esse poeta , falecido em 1994 – fala de solidão , sexualidade, desejo e delírio. Conforme as pessoas se desligam de suas realidades – o que é real ?- começam a vêem borboletas saírem de dentro de suas cabeças. Uma belo e melancólico conto tal como um encontro imaginário de Jean Genet com os Irmãos Grimm...já imaginou o que sairia dessas cabeças?

LIELZO AZAMBUJA EXPOSIÇÃO

2009-06-17T23:22:00.011-03:00

Se o pintor

renascentista Sandro Botticelli – célebre pelo seu quadro sobre o nascimento de Vênus, que serviu de inspiração para a obra ao lado – esivesse vivo, na certa já teria sido escolhido para o cargo de carnavalesco de qualquer escola de samba, dada a grandiosidade de suas muitas criações.

O artista plástico Lielzo Azambuja mixou seus múltiplos talentos – de carnavalesco a programador visual – e, após quatro anos, criou uma série de pinturas com a ideia de que se Vermeer, Leonardo da Vinci, Delacroix e muitos os pintores tivessem passado pelo Rio, ficariam deslumbrados com toda a riqueza cultural de cores, estilos e formas, e pintariam o sete!

São 40 telas divertidas e inusitadas: desde as criadas de Vermeer numa feira livre – incluindo um dos mais famosos olhares da pintura universal, “A moça com brinco de pérolas” – até o primeiro grande top model da humanidade, Adão (abaixo), com o look de um despojado ciclista degustando uma deliciosa água de coco servida pelo próprio Todo-Poderoso após um passeio de bicicleta. Seria em Ipanema?

DUPLICIDADE

2009-06-09T22:53:00.001-03:00

Clive Owen e Julia Roberts têm uma química primorosa como o casal de espiões em busca do plano perfeito. Quando estão juntos, nada mais importa; nem a história. Se você for ao cinema com o simples motivo de revê-los, perfeito. Agora, se quiser realmente entender o que se passa na tela, terá que prestar atenção em todos os detalhes – principalmente nos espirituosos diálogos. É que a narrativa do filme funciona e se constrói através de elucidativos flashbacks, tal e qual um jogo de quebra-cabeças: a cada peça encaixada, uma nova descoberta. Uma valiosa dica: desconfie de tudo e de todos, afinal o filme não se chama Duplicidade por acaso.

A direção e o roteiro são de Tony Gilroy, o mesmo que escreveu e dirigiu o filme Conduta de Risco, sobre os bastidores empresariais, com indicações de George Clooney como Melhor Ator e Roteiro Original entre outras.

Texto extraído da minha coluna DIVERSAO , no site www.espassum.com

EXTERMINADOR DO FUTURO - A SALVAÇÃO

2009-06-09T22:44:00.002-03:00

Definitivamente, Exterminador do Futuro 4 é um filme de macho; muita porrada, brigas, máquinas incríveis e barulho, muito barulho! Eu diria até que, se você o assistisse de ouvidos tapados ou num cineminha fuleiro, perderia toda a graça.

Com uma história meio complicada para aqueles que não estão acostumados com voltas ao tempo – o protagonista contracena com o próprio pai, que ainda é adolescente –, confesso que até eu tive que “fazer umas contas nos dedos” para compreender, principalmente quando o cara diz que “se o pai dele morrer, ele não existirá”. E se morresse? Ele iria simplesmente sumir?!

Sabe do que mais? Esqueça tudo isso e direcione sua atenção para as (muitas) cenas de ataque e fuga. O filme é uma mistura de Transformers com Mad Max e uma pitadinha de Guerra dos Mundos, do Spielberg – que foi meio ruizinho, mas os ataques de máquinas contra os humanos eram geniais. Numa das batalhas, duas motos endiabradas e com inteligência artificial roubam a cena fazendo qualquer um torcer para que sejam vitoriosas.

Aliás, se o filme tem um problema é esse: você não se envolve com nenhuma das armadilhas emocionais dos personagens, na maioria clichês. Querem ver? Há a menininha muda e pobre, o nerd meio abobalhado, a mulher apaixonada e o herói que vai e volta das batalhas com aquela famosa cara dura, afinal macho que é macho não se diverte e nem sorri; sofre.

A única e boa novidade é o coadjuvante homem-máquina. Pena que no final o filme vire uma coisa meio Glória Perez... Quem viver, verá!

Texto extraído da coluna em que assino ( Diversão ) , no site www.espassum.com

GARAPA

2009-06-03T21:09:00.004-03:00

A “GENTE”QUER SÓ COMIDA

por André Leite

Tema: A vida miserável e real de três famílias que tem quase como fonte única alimentar, uma mistura de água com açúcar a tal Garapa.
Bem, para começo de assunto, é uma obra que incomoda: Documentado em preto e branco , o que reforça a dramaticidade das cenas; não tem trilha sonora e a lente esta lá quase sempre como um olhar piedoso e uma distância segura. Agora eu pergunto: um filme pode mudar toda uma política ? Se fosse assim, outro documentário produzido por José Padilha– em preto é branco, é claro – ‘Estamirra’,sobre uma catadora de papel doente mental que vive no Aterro Sanitário já teria se internado e melhorado de vida... Então para que contextualizar – mais uma vez - o problema da fome? Fato: Segundo dados da ONU, um em cada 6,5 habitantes do mundo é subnutrido. O Bolsa Família é um programa no mínimo, questionável. “A pobreza e miséria” sempre renderam elogios mais da crítica do que dos cinéfilos, que acabam se comovendo -não há como negar que a opção feita pela abordagem do tema foi totalmente sentimental, e daí? O fotógrafo Sebastião Salgado e o artista plástico Vik Muniz costumam usar os excluídos também como matéria-prima em seus trabalhos. Pra finalizar a POF- Pesquisa de Orçamentos Familiares do IBGE- não encontrou nenhuma população de renda baixa se alimentando com apenas garapa, fato esse que acaba por contradizer o discurso do próprio diretor de filmes como o fenômeno ‘Tropa de Elite’ e ‘Ônibus 174’ , em uma de suas muitas entrevistas. Aliás ,ele deixa claro que o programa Bolsa Família, mesmo com seus ínfimos valores que vão de 15 a 95 reais é uma ajuda e tanto...Pode ate resolver no momento, porem o que realmente seria muito mais vital e ,infelizmente , cada vez mais utópico,seria dar educação a esse povo.

Texto originalmente publicado no site da editora Espassum.
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BUDAPESTE

2009-05-25T20:00:00.008-03:00

- Pensei que fosse cinza, mas na verdade, Budapeste é amarela! Pensa quase sorridente o nosso personagem principal. Amarelo: cor do sol, da luz e da atenção. E é assim que José Costa –um ghost-writer em crise existencial - chega à cidade, querendo sair das sombras em que vivia no Brasil. A ária Nessum Dorma, da ópera Turandot toca ao fundo da paisagem : Ninguém Dorme! sentencia a música. Através das ruas estrangeiras começa a viagem do nosso personagem. Para onde caminhar? O que fazer? Tudo é novo para o poeta. No meio da dúvida ,uma estátua do revolucionário Lênin e levada em partes por uma embarcação no rio abaixo do canal. Seu imponente dedo aponta para um lado, ele então olha o barco e inconscientemente segue o caminho oposto. Daí pra frente embarca num processo de renascimento -aprendendo até a falar outra língua através de livros infantis – e de auto-afirmação do EU interior, culminando num curioso final meta -linguístico – não irei contar para não estragar a surpresa. Momentos monótonos são intercalados com cenas quase lúdicas registradas pela bela fotografia. Enfim, um filme para olhares pacientes e investigadores.

HAMLET

2009-05-13T21:18:00.001-03:00

HAMLET
O clássico com nova tradução

Por André Leite

“Ser ou não ser, eis a questão”. Para muitos, apenas mais um bordão famoso, repetido em todas as mídias, desde os programas humorísticos mais populares até aos desenhos do coelho Pernalonga. Mas não se engane; sua origem é bem mais nobre. A frase é dita num dos momentos mais angustiantes de Hamlet – de autoria do maior dramaturgo de todos os tempos, William Shakespeare.

Wagner Moura mergulha de cabeça no papel do príncipe atormentado que recebe do espectro do pai a tarefa de vingar seu assassinato, cometido pelo seu tio Claudio, que após o crime casa-se com a própria cunhada, a rainha Gertrudes, e ainda ganha a coroa.

Uma curiosidade: o ator foi um dos responsáveis por essa nova tradução, junto com o diretor Aderbal Freire Filho e a professora de inglês Barbara Harrington.

STAR TREK

2009-05-13T21:13:00.003-03:00

STAR TREK
A saga, desde o início

Por André Leite

Naves explodindo, vilões impetuosos, muitos tiros e explosões. No meio de tudo, o nascimento de uma criança. Assim é o irretocável (re)começo de uma das séries mais famosas do universo da ficção cientifica: Jornada nas Estrelas, ou Star Trek para os mais íntimos. Igual a um bebê dando seus primeiros passos, vamos conhecendo sem pressa aqueles personagens que, na fase adulta, viraram sinônimos do famoso seriado: Kirk e Spock. Um totalmente impulsivo, o outro racional – dualidade que se estenderá por toda história. Outros tipos pouco a pouco aparecem, elos são construídos e, de uma forma inusitada e divertida – sim, há espaço para umas boas gargalhadas –, a tripulação da lendária nave Enterprise começa a tomar forma rumando ao espaço para viver um aventura como há muito tempo não é vista nos cinemas.

O produtor JJ Abrams – criador da série Lost entre outras – acertou em cheio em começar do zero, atualizando perfis, sem se preocupar com limitações cronológicas nem com os fãs mais velhos e ilustres. Para se ter uma ideia do peso que o seriado tinha nos anos 60, na época em que passava na TV, a atriz Nichelle Nichols, que fazia a Tenente Uhura, chegou a pensar em sair – achava sua personagem pouco expressiva – e recebeu uma mensagem do líder Martin Luther King pedindo que ela ficasse, pois não representava apenas Uhura, mas toda a raça negra. Outro detalhe é que a Motorola se inspirou nos famosos comunicadores que os personagens usavam para criar e batizar seu modelo mais famoso de celular, em nome e design, o Startac (Star Trek... entendeu?). Curiosidades apenas.

O novo espectador, porém, atualmente está mais preocupado mesmo é em assistir a um filme com muita adrenalina, romance e ação ininterrupta. Então, prepare-se; compre sua pipoca, sente-se na poltrona (do cinema, please) e viaje para "onde nenhum homem jamais esteve

PUBLICADO ORIGINALMENTE NO SITE DA MINHA COLUNA 'DIVERSÃO' NO SITE :

http://www.espassum.com.br/

WOLVERINE

2009-05-13T20:59:00.002-03:00

WOLVERINE
Referências e... Hugh Jackman!

Por André Leite

“Ele está vivo!” Assim berra e sorri o cientista ao ouvir os primeiros batimentos cardíacos da criatura recém-criada, conectada e presa aos milhares de fios. Que filme é esse? Os mais cinéfilos dirão que se trata da mais famosa cena do clássico de horror dos anos 30: Frankenstein! Errado! O filme é Wolverine, o mais novo arrasa-quarteirão de Hollywood. Porém, essa é apenas uma das muitas referências que a obra carrega, como a parte em que o personagem, completamente nu, vai parar num celeiro, numa pose de Exterminador do Futuro, e encontra um casal de velhinhos fazendeiros, igual ao longa Superman.

Pena que as citações ficaram só no cinema. Se você for daqueles que conhece o personagem por meio de outras mídias – quadrinhos, desenho –, irá se decepcionar, pois sua história foi muito adaptada, a ponto do seu maior e mais temível vilão, Victor, ter se tornado um irmão de sangue, no melhor estilo bíblico Caim e Abel. Ops, outra referência...

Um conselho: desligue-se de tudo que já leu e deleite-se com um bom filme de ação que tem um pouco de tudo: romance, vingança e até aquela já obrigatória cena na qual o herói ressurge de uma bola de fogo recém-explodida. E de mais a mais, o melhor do personagem continua ali e tem nome: Hugh Jackman, principal ator e também produtor dessa dramática aventura.

Espere até todos os créditos finalizarem, pois terá uma cena surpresa com a fera mais bela e charmosa que o cinema já criou nos últimos tempos...

Publicado originalmente na minha coluna do site http://www.espassum.com.br/diversao.asp

GLORIOSA

2009-04-26T18:57:00.002-03:00

Gloriosa é o nome de uma pequena flor exótica com cores vivas e vibrantes e é também o título do último espetáculo de Charles Möeller e Cláudio Botelho, que não poderiam ter sido mais certeiros na escolha de Marília Pêra, que, como a planta, se destaca completamente ao defender um personagem tão lunático e melancólico como Florence Foster Jenkins :uma cantora lírica que praticamente não acertava uma nota sequer ganhando o apelido de ‘A Diva do Grito”. Sempre alvo de piadas e dotada de um círculo de amizades que tinha o compositor Cole Porter como um de seus mais ilustres fãs, seus recitais sempre esgotavam os ingressos em poucas horas . Mas qual seria exatamente o motivo que levava o público a assistir uma cantora tão ruim? E quem foi exatamente Florence? Uma Doidivana? excêntrica milionária ou apenas uma mulher insana? Talvez tudo isso e um pouco mais: Era alguém com um ideal e um enorme desejo de vencer. O pai – um milionário banqueiro - se recusou a pagar seus estudos, o que a levou a fugir de casa, voltando muitos anos depois com alguns casamentos frustrados na bagagem e sem dinheiro algum ,sendo aceita sob a condição definitiva de desistir da carreira. Florence aceitou e voltou a cantar apenas aos 41 anos de idade, após o falecimento do autoritário progenitor. Sua trajetória foi tão extravagante quanto a própria persona até a última nota: Após lotar o Carnegie Hall – a mais famosa casa de espetáculos de Nova York nos Anos 40, recebeu tantas críticas negativas pela imprensa que foram responsáveis pelo fatídico enfarte aos 76 anos, algumas semanas depois. Florence viveu – e morreu – pela arte.

Texto extraído do site http://espassum.com.br/

DIVÃ

2009-04-21T22:24:00.003-03:00

Mercedes é uma mulher de 40 anos que não tem medo de se expor: desde seus quadros numa galeria até a sua vida íntima numa simples confissão de masturbação para melhor e inseparável amiga. Então, o que de fato a leva a procurar um analista? Ela diz que não sabe. Numa das primeiras sessões afirma que sente até a culpa de não sentir culpa... Complicado? Analisando mais profundamente eu diria que não.

Na verdade, o que predomina na sua vida é que ela precisa ser feliz a todo custo. Aos 8 anos perdeu a mãe e cresceu com a ideia de que “O fim nunca é bom. Se fosse, seria o começo”. E em torno disso construiu uma nova Mercedes: moderna e feliz. A própria fotografia do filme dá a dica, onde a cor azul é predominante: sejam nos vestidos, nas louças na cozinha, e, principalmente, nas filas intermináveis de garrafas pets num freezer de supermercado, frias, artificiais e sem rótulos – nem por isso menos belas. Mas azul em outras culturas também quer dizer tristeza... E é nessa dualidade que ela convive (só ela?) no decorrer da sua vida.

Depois de varias perdas – do amante ideal, do casamento, da amiga – e de 3 anos de análise, finalmente se dá conta de que mesmo assim viver vale a pena. Assim, se levanta do divã e assume todas as cores que a vida tem. O final – à porta da mesma galeria de arte do começo do filme – e a personificação do analista são perfeitos. E como diz a linda melodia ao término do filme cantada pela Ana Carolina: Vou deixar a vida me levar...

Texto extraido do site:

http://www.espassum.com.br/div_critica.asp?id=1049

DELÍRIOS DE CONSUMO DE BECKY BLOOM

2009-04-21T22:15:00.002-03:00

Vá até seu quarto e abra completamente o armário. Dê uma boa olhada geral e responda: você realmente precisa de tantos sapatos, bolsas e todas as peças que estão disputando um lugarzinho naquele pobre móvel? É óbvio que não. E por que, então, continua a consumir tanto? O nome disso é um só: compulsão.

Essa é a “terrível” força que faz Becky Bloom estourar todos os seus 12 cartões de crédito. E depois? Será que vale a pena ter algumas horas de prazer num shopping para depois se sentir culpada pelo resto do mês? "Lojas nos tratam melhor do que os homens, com a vantagem de que as compras podem ser devolvidas ao final do sétimo dia", diz nossa amiga daí de cima. Porém, no decorrer do filme todos esses dogmas serão discutidos com muito humor e algum exagero também.

Poderia ser mais ousado. Porém, quem tiver um pouquinho de paciência e superar o frenético começo verá um interessante filme, no qual serão questionados o consumismo em excesso e o comportamento compulsivo, que podem estar embutidos em cada um dos nossos mais simples desejos, e que, acima de tudo, o mais importante seja controlar o impulso.

Compulsão e compensação são palavras que costumam andar de mãos dadas. Ah, sim... a história do filme é sobre uma jovem que sonha em trabalhar numa grande revista feminina e acaba empregada em outra da mesma editora, só que de economia... Irônico, não?

Texto extraído do site:

http://www.espassum.com.br/div_critica.asp?id=1026

VALSA COM BASHIR

2009-04-21T21:53:00.003-03:00

Houve um tempo em que assistir desenhos animados no cinema era apenas uma doce obrigação de pais zelosos ou tios animados com seus familiares infantis. Talvez, o fantástico Akira, de Katsuhiro Otomo, tenha sido o verdadeiro divisor de águas, já que depois dele as animações começaram a ganhar mais atenção e destaque na mídia, sendo indicados para festivais e premiados.

Um dos destaques mais recentes é Valsa com Bashir, que foi indicado para o Oscar e levou o César – o “Oscar francês” – e o Globo de Ouro de Melhor Filme Estrangeiro. A história começa com uma perseguição de uma ensandecida matilha derrubando pelas ruas à noite tudo o que há pela frente até achar seu alvo: um homem na janela de um prédio, que observa tudo da segurança de seu lar.

A partir de então, o que vemos é um misto de histórias, simbolismos, delírios e sonhos, nos quais, aos poucos, vamos descobrindo todo o drama que foi o massacre israelense contra o Líbano. Entrevistas são feitas e ouvimos as próprias vozes dos ex-soldados, que narram todo o horror e trauma passados.

Palmas para o diretor e ex-soldado Ari Folman, que pela primeira vez ousou em fazer um documentário tão real optando por uma animação dramática na qual a cor é quase um personagem. O filme não julga, e esse talvez seja o seu maior mérito.

TEXTO ORIGINALMENTE PUBLICADO NO SITE :

http://www.espassum.com.br/div_critica.asp?id=1005

ROMANCE

2008-11-19T11:26:00.004-02:00

O cinema nacional resolveu dar um tempo na dobradinha batida nordeste X favela e se refrescou um pouco trazendo temas mais românticos. No cinema do qual eu estive passaram dois trailers nacionais de peliculas falando de amor. Sorte nossa, assim podemos assistir despretenciosas histórias de paixões com essa do filme ROMANCE.
Ele flerta o tempo todo com a metalinguagem - exercicio que o espanhol Carlos SAura usou , levando o flamenco para o universo da cigana CARMEN com danças , paixoes e morte. fonte que ate Shakespeare bebeu : A trágica saga celta de TRISTAO E ISOLDA.

Atuaçoes impecáveis e uma belíssima Leicia Sabatella com uma otima critica aos atores divididos entre fazer teatro ( prestigio erudito ) ou novela ( Sucesso popular ).
Taí mais um acerto do diretor GUel Arraes que, depois de LISBELA soube sair dessa roubada limitada do cinema nacional , aonde de cada 10 filmes , 7 sao sobre o homem comum que precisa vencer obstaculos e nao se envolver com a marginália para atingir seus objeitos. Voce acha que ja viu esse filme e viu mesmo. So para citar os dois ultimos: ONIBUS 174 e ERA UMA VEZ.
Portanto relaxe, dê um refresco para os seus sentidos e se delicie nesse filme aonde o unico tiro disparado e o da paixão e paixao é sofrer...sofre de amor. Ja diria o filme.

007 THE QUANTUM OF SOLACE

2008-11-11T21:13:00.007-02:00

007 - QUANTUM OF SOLACE

Depois de grandes reformas internas , o Café aproveitou as ultimas folhas de outono e reabriu seu anexo para pequenos beliscos textuais. Tímida volta, filme morno: Assim é a última aventura do já lendário Daniel Craig , na pele do nosso agente secreto. Aliás em momento algum ouvimos a lendária e eterna frase: Bond, James Bond que, junto com o tema - que só é tocado no final - faz falta.

O filme nao empolga: apesar de estar repelto de cenas de ação, falta um fio condutor mais incisivo dentro da complicada trama. Até a bond-girl está diferente, tirando uma cena - homenagem ao filme 007 e A PISTOLA DE OURO , da qual uma mulher é morta coberta de ouro, agora é petróleo e por último: Sái os saltos altos e entram os tênis All Stars.

Típico reflexo da nova aventura. O glamour e o sex appeal ficaram todos restritos para Bond, James Bond.

CAVALEIRO DAS TREVAS

2008-07-19T22:09:00.005-03:00

O morcego perdeu a bat-útero -caverna : Ele agora vive num galpão com muita luz , numa ensolarada Gothan City : Mudança estranha para um filme cujo o titulo chama-se CAVALEIRO DAS TREVAS , certo?

Errado: As trevas agora reinam absolutas dentro de milionário órfão que tenta a todo custo nao ultrapassar a fina linha no eterno dilema : Agir como um justiceiro implacável ou ser poiticamente correto? E é exatamente este o tema do novo Batman – Limites .
O coringa – brilhantemente interpretado por Heath Ledger, é um vilão anômalo. Ele não quer dinheiro nem vingança, é contra a ordem tornando-se um arauto do caos. Não se contentando apenas em “ver o circo pegar fogo” ele quer acender a fogueira e assistir de camarote.

Durante a exibição numa sala de cinema, noto que uma das cenas que mais entusiasmam, são aquelas em que o palhaço explode o hospital , levando o público ao delírio com aplausos e gritos de torcida. Daí eu me pergunto:

Por quê tanta comemoração, afinal ele acabou de MATAR uma série de inocentes...A resposta vem de imediato: Catarse .

Ele representa o NOSSO lado insano, aquele que , por meio de preceitos socialmente estabelecidos, fica guardadinho à sete chaves dentro da consciência. Algumas portas são verdadeiras fortalezas, outras funcionam como uma passagem secreta, bastando tocar no lugar certo para abrir a caixa de Pandora, que, segundo a mitologia, era o objeto que guardava todo o mal da humanidade. O ''Homem que Ri" sabe disso e tal e qual um chaveiro- arrombador , sai em busca do portão principal : O promotor Harvey Dent (Aaron Eckhart ) . Até o Batman viu nele um novo e melhor guardião da cidade, afinal ele enfrenta a escória de frente, sem máscaras. Porém, vaidoso e impávido como todo homem com muito poder , de algoz acaba virando uma vítima em outra genial e pertubadora armadilha aonde a moral do jogadores mais uma vez é testada. Existem várias durante todo o filme.

A dualidade dos personagens permeia por todo o filme, a ponto dos supostos marginais protagonizarem um ato heróico e os típicos cidadãos do bem , virarem verdadeiros lixadores.

Mas desta vez Bruce Wayne não esta só. O ótimo roteiro distribui tarefas tal e qual uma liga da justiça , dando a todos os outros personagens supostamente coadjuvantes o mesmo equilíbrio dentro da história, igual a um jogo de Xadrez, onde cada peça tem um papel importante:

O mordomo Alfred ( Michael Caine ) e o executivo “senhor das armas “ Lucius Fox (Morgan Freeman) são os principais pilares de sustentação cuidando da segurança do homem-morcego: O primeiro é responsável pelo controle e sanidade mental , representando talvez o pai perdido. O outro protege a parte física, criando o arsenal necessário para as investidas quase que suicidas do cavaleiro vingador. Ambos incorruptíveis e íntegros. Aliás ,integridade é o que o tenente Gordon (Gary Oldman) tem de sobra: Numa cena durante o interrogatório do Coringa ele senta na mesa e, antes de começar a falar, tira a poeira da cadeira ( ou da mesa,não me lembro bem) com as mãos: Um simples gesto que diz tudo do personagem - Eu jogo limpo.

No final da sessão me pergunto: Qual seria o vírus que destruiria o fio que me segura entre o certo e o errado, a moral e a anarquia....afinal qual seria o MEU LIMITE?

OS REIS DA RUA

2008-05-06T01:09:00.005-03:00

Deve de ser muito triste ser policial em Nova York. Já repararam que na maioria dos roteiros - americanos - todos são solitários e estao sempre sofrendo pela perda da mulher amada ( morte, separação), além de alcólotras e deprimidos? Pois é, em REIS DA RUA, o protagonista de toda essa tragédia é o bonitinho porém insípido Keanu Reeves. A história é a mesma de sempre: Tiras corruptos X bonzinhos e no final , aquela clássica e já manjada 'revelação' : Nossa! então era Ele?
Dispensável.....

Street Kings
EUA, 2008
Direção: David AyerRoteiro:James Ellroy, Kurt Wimmer e Jamie Moss Elenco: Keanu Reeves, Forest Whitaker, Hugh Laurie, Chris Evans, Martha Higareda, Cedric the Entertainer

NA NATUREZA SELVAGEM

2008-04-16T05:24:00.006-03:00

Qual é o verdadeiro sentindo da liberdade? Será
que conseguiríamos viver desprovidos de nenhum
capital , fazendo da natureza mais
hostil , um supermercado infinito de sabores , sensações e sentimentos?

O Aventureiro Chris -protagonista verídico do filme

NA NATUREZA SELVAGEM -acreditava que sim.

Mudou de nome para Alexander Supertramp

(vagabundo no vocábulo inglês) e começou

a jornada munido apenas de confiança, juventude,

livros, uma grande mochila e seu antigo veículo .

Meta? ALASKA!

Mas a própria natureza o expõe a primeira grande

prova, fazendo-o perder seu acochegante veículo "uterino"

para uma agressiva enchente. Concluído o batismo

subjetivo onde a mamãe natureza foi testemunha e

sacerdotisa ,o nosso andarilho recolhe sua mochila

e parte para a estrada com o otimismo típico dos

jovens idealistas.

O difícil convívio com o pai hipócrita e a

mãe submissa ,relatados no filme através do

diário e das lembranças da irmã –seu único

alicerce emocional - ajuda-nos a compreender

um pouco toda a explosiva necessidade de

renascimento , livre de obrigações sociais.

Figuras simbólicas são encontradas durante

o caminho, valorizando as relações e traçando

aqui um interessante paralelo com a vida

comum: O casal de hippies ( a mãe e o pai),

a menina solitária ( namorada) , o empresário

rural( emprego, irmão mais velho) e

o artesão solitário ( avô). Este, o momento

mais sensível e incrivelmente belo do filme.

A cena em que o idoso pede com os olhos

marejados para ele desistir desse caminho

sem volta é de emocionar o mais duro barril

de carvalho. Valendo aqui uma indicação

(perdida )

para o Oscar de melhor ator coadjuvante.

O gelo, a simplicidade e a solidão - de ideais

viram algozes e , no num momento de extrema

comunhão com o universo, ele descobre o sentido

da vida e escreve aquilo que seria o seu mais nobre

epitáfio : A Felicidade só é real quando compartilhada.

Título Original: Into the Wild (EUA, 2007)

Direção: Sean Penn
Roteiro: Sean Penn, baseado em livro de Jon Krakauer
Com:Emile Hirsch ,Marcia Gay Harden, William Hurt,
Jena Malone ,Brian Dierker,Catherine Keener e Kristen Stewart

O MÉTODO GRÖNHOLM

2008-04-03T03:41:00.006-03:00

Uma seleção de emprego é semelhante ao primeiro encontro amoroso. Perguntas como “ o que devo vestir, como devo me comportar, será que ele (ou ela) gostará de mim? -permeiam o tempo todo em nossa mente. Atire a primeira pedra quem -na eterna busca da aceitação – nunca “floriu” um pouquinho seus próprios talentos, realçando as virtudes e jogando os vícios debaixo do tapete...

O MÉTODO GRONHOLM – adaptada para o cinema espanhol com o sugestivo título , O QUE VOCÊ FARIA? -acerta em cheio ao fazer da seleção de emprego , uma interessante metáfora sobre as relações humanas.
A inspiração veio após a leitura de anotações achadas numa lata de lixo, feitas por alguém responsável pelo depto pessoal de uma empresa multinacional. Nela, constavam junto aos nomes dos candidatos, adjetivos do tipo: gorda e peituda, magro e feio, terno fora de moda, muito arrumadinho...ou seja , mais do que avaliado o candidato passava por um padrão de qualidade gerado pelo inquisidor... ops... entrevistador , através de seus próprios dogmas e preceitos. No palco, quatro candidatos a uma vaga são expostos a reagirem a várias situações, muitas delas humilhantes , com objetivo de AVALIAR as reações gerais sobre determinada ação. O tal “Método Gronholm” é tão convincente que até acreditamos se tratar de um procedimento real -o que numa época dos comportamentos politicamente corretos seria incorreto, passível até de um processo por danos morais .
Desde quando o ser humano virou uma ciência exata com fórmulas e equações ? Às vezes nos comportamos de uma maneira totalmente instintiva diante de uma ameaça... ou não. Como crer que aquele determinado indivíduo agirá exatamente na vida corporativa do mesmo modo que se comportou ao teste? Os grandes empresários correm riscos o tempo todo. Sem esse elemento as ousadias não existiriam no mundo corporativo .Quantas vezes na vida privada, nos surpreendemos com maquinações criadas por pessoas da nossa total confiança e dedicação ? Decepções – e boas surpresas também – acontecem o tempo todo... No final das contas o que vale mesmo é contar com o nosso bom-senso e também com a sorte de pegar um avaliador íntegro ...ou então, munir de todas as armas – subjetivas ou não – utilizando outro método, esse real ,criado em forma de teoria pelo cientista Charles Darwin onde a vida representa uma selva, em que só os mais fortes sobrevivem em detrimento dos mais fracos.

De Jordi Galcerán ,adaptado por Domingos de Oliveira, Direção de Luiz Antonio Pilar.
Com: Ailton Graça (foto) ,Suzy Rego,Ângelo Paes Leme e Edmilson Barros

- O ORFANATO

2008-03-18T17:31:00.005-03:00

(El Orfanato) Espanha , 2007. Direção: Juan Antonio Bayona. Elenco: Belén Rueda, Roger Príncep, Fernando Cayo, Mabel Rivera, Montserrat Carulla, Geraldine Chaplin, Edgar Vivar. Duração: 100 min

Quantas vezes assistimos a famosa cena-cliché nos últimos instantes em que o mal - um monstro, um psicopata, uma mão, o presidente dos EUA ... desperta para dar aquele último susto no espectador? Falando assim , lembra-se logo das intermináveis Sextas-feiras 13 (1980) e das noites de Halloween (1978) ,regradas com muitas cabeças decepadas e gritos histéricos.

Porém, muito antes de CARRIE (Brian de Palma, 1976) levar a mãozinha do túmulo, haviam filmes muito mais assustadores, onde o terror era apenas sugerido e dúbio, tal como o esquecido REBECCA (Alfred Hitchcock, 1940) onde a personalidade dominadora da falecida ex-mulher perturba a atual esposa , obrigada a seguir as antigas regras na angustiante mansão do casal, e OS INOCENTES( Jack Clayton , 1961) que contava a historia de uma governanta (Débora Kerr) às voltas com um casal de irmãos que passava o tempo todo a agirem de forma estranha, guardando segredos no sotão ou então cantarolando uma inocente(?) canção de uma caixinha de música.
O filme tornou-se uma verdadeira aula de como fazer um bom suspense baseado apenas na história, sem corantes - o filme é P&B - e aditivos especiais...

Alias , crianças sempre dialogaram bem com o gênero. A lista é interminável: A SÉTIMA VÍTIMA ,OS OUTROS, SEXTO SENTIDO...e atualmente o espanhol O ORFANATO:

A historia da mãe inconformada com o sumiço do filho adotivo e HIV positivo, no dia da comemoração do seu aniversário não assusta, porém nos deixa curiosos e um pouco tensos.

O diferencial aqui não é propriamente saber quem é o responsável pelo sumiço ou pelas portas que abrem e fecham sozinhas : É a culpa da mãe que dá o tom durante todo do filme . O próprio roteiro entrega algumas pistas através da médium

interpretada pela sempre boa Geraldine Chaplin ( muito parecida com o descarrego do filme POLTEGEIST de Tobe Hooper, 1980 , aquele da famosa frase: Cuidado com a luz Caroline! ) :

Tem que CRER para VER, ensina ela.

Outra dica -esta bem mais sutil- está no diálogo durante a leitura do livro sobre Peter Pan, no qual a mãe explica a história dos meninos perdidos na Terra do Nunca, aonde ninguém envelhecia...
Alíás a referência volta com a corda toda no final do filme , fechando-o divinamente. Não irei comentar para não estragar a surpresa.

Apesar de não ter sido dirigido pelo mexicano Guillermo Del Toro, que apenas o produziu , as semelhanças com seu último e genial trabalho que escreveu e dirigiu, o LABIRINTO DE FAUNO (2006) foram evidentes: Universo lúdico onde crianças se comportam como CRIANÇAS, além de toda apoteose final , onde a morte é apresentada como o alívio e passagem para um estado de felicidade eterna, como o mito do paraíso.

2008-03-17T16:12:00.000-03:00

OS ARQUIVOS ABAIXO FORAM ESCRITOS EM 2005:

*CLOSER -PERTO DEMAIS

2008-03-17T15:37:00.000-03:00

Cena um: Sala de espera de um hospital. Um jornalista e uma Striper. Ele vai buscar algo para beber,ela mexe nas suas coisas, acha um sanduíche e põe no lugar: Não gostou ? Eu não como peixe, eles mijam no mar. Crianças também – diz ele sorrindo. -Mas eu também não como crianças.
Cena dois: Porque você prefere ficar com ela? Porque ela não precisa de mim.
Assim são os verborrágicos , honestos e bem humorados diálogos de CLOSER, adaptado pelo próprio autor da peça, o dramaturgo inglês Patrick Marber . O diretor Mike Nichols sabe como fazer um bom filme de ouvido, daqueles que a palavra é tão ou muito mais importante quanto a imagem. Logo no seu filme de estréia, o cruel QUEM TEM MEDO DE VIRGINIA WOOF?( EUA, 1966) pôs Elizabeth Taylor e Richard Burton para se degladiarem como duas feras acuadas. Ponto para ela, que saiu com vários prêmios a tiracolo , incluindo o oscar de melhor atriz.
A história se repete, só que agora, quem brilha são os
coadjuvantes (só se for de cachê, pois aparecem tanto quanto os outros )premiados com o Globo de Ouro , o Bafta e provavelmente o careca dourado também . Um dos motivos de tanto sucesso está no próprio tema, que é universal: As relações amorosas. A identificação como publico é direta. ‘Eu não consigo tirar você da minha mente’, repete o refrão do melancólico tema do filme. O aquário, que é sempre belo para quem vê de fora – afinal os peixes têm suas vidas ali,aprisionadas - serve de metáfora para cada um dos personagens: No consultório do médico, no lazer da fotógrafa e até no titulo do livro do jornalista. O único que se salva é a striper - ela não COME peixes , lembra? - a única honesta nos seus atos e sentimentos. Ela não hesita em se jogar por inteiro. “Eu não te amo mais”, diz ela. “Desde quando?” Pergunta ele, incrédulo. “Desde agora!” Com a simplicidade e segurança de quem é verdadeiro. No final de tudo temos a impressão de que as nossas insanas relações, por mais que a gente tente , são e serão sempre semelhantes e circulares: com as mesmas buscas, cobranças e erros. Como já diria o nosso poeta Caetano Veloso” De perto ninguém é normal” . As vezes chegamos muito perto dos nossos parceiros, perto demais... "

*CONSTANTINE

2008-03-17T15:36:00.000-03:00

Como já diria , não me lembro quem : Existem mais coisas entre o céu e a terra do que sonha a nossa vã filosofia*,tais como anjos , demônios e o nosso estrênuo rapaz : Constantine.
Nascido como coadjuvante na extinta revista 'Monstro do Pântano', com a função de ensinar a sofrida criatura do lago a usar seus poderes, tal e qual o mestre Yoda fez para o loiríssimo Luke Skywalker em 'Star Wars'.
Constantine aqui era sarcástico, antipático e canalha. Mas se nos quadrinhos ele foi desenhado a imagem e semelhança do cantor Sting, na época em que era vocalista do Police, no cinema, ganhou os traços asiáticos e incolores de Neo..ops...Keanu Reeves . Pena.
Nessa adaptação quase tudo de interessante da série de histórias , pulbicadas na revista 'Hellblaizer' foi descartado:Ao invés de uma decadente Liverpool, o roteiro optou por Los Angeles . Aliás , a escolha foi feita pelo próprio diretor, que, ciente das limitações de Keanu, preferiu não arriscar , botando-o para interpretar um inglês.
No meio de tudo isso temos uma trama tosca, com o argumento semelhante ao do filme do Arnold Schwarzenegger sobre o anticristo:
O "Fim dos Dias"...alguém se lembra? e a cena do exorcismo coletivo? igualzinha a de abertura do "Blade" !Sem contar que o bonitinho está sempre limpo e de roupa passada, mesmo comendo o pão que o diabo amassou...
Apesar de tudo não é um mau filme. Efeitos especiais econômicos, clima melancólico - poderia ate ser mais , se não fosse as "piadinhas" obrigatórias no cinema atual de nove entre dez heróis – e principalmente as atuações de Tilda Swinton como o andrógino anjo Gabriel e de Peter Stormare fazendo o próprio demo que acabam por atuarem como verdadeiros ladrões de cena, expondo o pobre Neo...ops! errei novamente... Keanu às suas limitadas expressões faciais.

* Lembrei quem escreveu a citação do começo do texto: Foi HOLLYWOOD!

*ELEKTRA

2008-03-17T15:34:00.000-03:00

As revistas em quadrinhos já provaram serem uma inesgotável fonte de idéias para os roteiristas de cinema. HOMEN ARANHA, X-MEN, BATMAN, SUPERMAN: todos com críticas favoráveis e o que é melhor, uma gorda bilheteria, gerando lucros e continuações ainda melhores.Exceções houveram, como no filme sobre o Demolidor que, apesar de um bom roteiro , não decolou. Talvez devido a péssima escolha, afinal Ben Affleck não convence ninguém como um jovem advogado cego que combatia o crime com um colante uniforme vermelho. Apesar de fraco, o filme trouxe uma bela coadjuvante – a Elektra , brilhantemente interpretada por uma jovem atriz do seriado ALIAS.Um verdadeiro colírio que acabou virando uma das poucas coisas interessantes para se assistir. Daí para chegar a uma aventura solo foi uma questão de tempo.
Infelizmente, só ficou na expectativa. O roteiro do filme negou tudo que ela tinha de melhor. E, ao invés de mostrar uma assassina Ágil, ardilosa e principalmente segura de si, acabaram romantizando demais a menina. Essa nova Elektra chora, sofre, e o que é pior é fraca e conflituosa nas decisões, perdendo lutas para uma turma ridícula de vilões que mais parecem terem saído daqueles desenhos japoneses infantis.
Conclusão: O filme se tornou um verdadeiro fiasco, rendendo menos que o já citado DEMOLIDOR, ficando atrás até da MULHER GATO! Tanto que a Fox já está tratando de lançar em DVD muito antes do prazo comum, para tentar recuperar um pouco todo o dinheiro gasto.

*ALEXANDRE

2008-03-17T14:56:00.000-03:00

Personagens históricos sempre renderam grandes filmes e muitos problemas também. Afinal, como contar a história de uma vida inteira em duas ou três horas? Este é o grande dilema da maioria dos redatores de Hollywood, que ,na ânsia de agradarem a "gregos e troinanos" metem os pés pelas mãos encolhendo alguns fatos e aumentando outros, nem tão importantes assim.
Em ALEXANDRE, nem o prólogo enfadonho de Anthony Hopkins ( Ptolomeu )ajuda a organizar a narrativa, recheada de flashbacks gratuitos e muitos simbolismos que passam longe da compreensão do grande publico.
Quem espera assistir um longa tomado de grandes lutas, desista: As conquistas na tela estão limitadas a duas magníficas batalhas - uma no começo e outra no "quase" final. Os outros personagens são esteriotipados e superficiais. A mãe Olympia é super-protetora , e manipuladora ,além de ser mostrada quase como uma feiticeira, sempre cercada de cobras... seria a ausência do falo? dá-lhe simbolismo!
Aliás , esse é o primeiro e maior erro do filme:
-Tentar justificar o comportamento de Alexandre através da construção familiar: Pai ausente e mãe castradora = filho inseguro. Talvez, se ele tivesse optado pelo divã de Freud ao invés da cama de Hefastion - seu amante ,certamente não precisaria dominar quase o mundo inteiro para justificar sua angústia: bastava voltar-se para o seu próprio subconsciente, fazendo uma boa terapia.Em alguns momentos vemos um ser atormentado querendo se afastar cada vez mais da influência materna. No seu exército , de admirado passa a ser mal comparado pelo seus oficiais ao seu pai que, mesmo morto , está sempre presente em sua consciência, atormentando-o ainda mais. Um de seus únicos momentos de paz é compartilhado por Hephastion , seu único grande amor. Taí a segunda grande falha: Na história real, esse guerreiro era corajoso e destemido. Já na composição definida por Oliver Stone ( alem de dirigir, escreveu o roteiro também) , foi,por mais paradoxal que seja, a de mostrar um amante dócil e sempre atrás das decisões de Alexandre, nunca se impondo como um verdadeiro guerreiro. Ou seja: A mesma e superficial interpretação da sociedade aos casais homossexuais, onde sempre um é "macho e bruto"( homem) , e o outro, "frágil e bondoso" ( mulher ).
Colin Farrel não funciona como um guerreiro em crise, sua dor não é dividida com a platéia - que ri a cada manisfestação de afeto entre os homens, a maioria insinuada ou dita..Aliás , o único beijo que é visto na tela nasce de uma forma agressiva e hostil envolvendo seu escravo , o eunuco Bagoas , interpretado pelo ator Francisco Bosch e o próprio Alexandre. E só .
Val Kilmer( Philip) surpreende um pouco , mais pelo tipo físico do que interpretativo . Angelina Jolie( Olympia ) até que não decepciona , mas é muito nova para o papel.. Jared Leto ( Hefastion ) é só olhos , cabelo e tristeza. Entre os cenários de escola de samba - reparem a cidade da Babilônia - e seus altos e baixos, uma coisa reina durante todo o longa: A trilha sonora .Uma das mais belas já feitas pelo compositor Vangelis.

Como disse Olympia num de seus devaneios:
"Filhos são iguais aos meus répties: Você os cria, dá carinho e alimenta. Depois crescem e quando você menos espera é picado" .
Peraí : Foi Angelina Jolie mesmo que falou? ou será que foi Oliver Stone?
Não importa. Pensando bem, dá no mesmo...

*A DONA DA HISTóRIA

2008-03-17T14:04:00.000-03:00

Quem nunca desejou voltar no tempo para redefinir a sua história?
Mas, diferente do que pensa a jovem Carolina ( Débora Falabella ), a vida não é um filme. Montar, editar, testar, experimentar... Não seria muito mais fácil se pudéssemos retornar a cada erro cometido, como num set de filmagem, gritando apenas um sonoro CORTA ?
-A minha vida foi um saco, sem graça...uma merda!
Através dessas amargas palavras somos apresentados a uma outra Carolina ( Marieta Severo ) : Casada a mais de trinta anos com o primeiro e único homem da sua vida, quatro filhos distantes e crescidos e absolutamente nada para se preocupar. Nada? Numa breve porém cruel olhada para o passado chega a pergunta: VALEU A PENA ?
Apesar de estar vivendo com um marido que ainda a ama, seu casamento caiu na mais temível de todas as palavras anti-matrimoniais - A Rotina. Ela pára e pensa: E se eu nao tivesse casado com o Luiz Cláudio ? A partir dái , no melhor estilo surrealista a historia viaja para além da imaginação e divaga nas várias possibilidades em que a personagem poderia estar.
Após assistirmos paralelamente as múltiplas vidas das Carolinas, ficamos com uma pergunta no ar: Em qual momento essa mulher que era tão sonhadora e cheia de brilho perdeu a esperança? Besteria. Esse tal momento nao existe. Num belo dia acordamos e vemos que o tempo dos sonhos da nossa ingênua juventude foram-se. O grande desafio agora é saber o que fazer com toda experiencia adquirida no decorrer dos anos. E é nesse estante que tomamos coisciencia de que a "dona da historia" somos nós mesmos... mas aí já é outra historia...

*ANACONDA 2

2008-03-17T13:53:00.000-03:00

O quê esperar de um filme onde as protagonistas são cobras gigantes no cio? nada de interessante , diriam alguns cinéfilos de plantão. Pois é...aí é que está o grande trunfo do filme: a falta de expectativa.
E quer saber? O filme diverte! As anacondas não são os únicos atrativos: o filme tem clima e não é aquela carnificina insana, típica dessas histórias, onde um por um vai morrendo, restando o último, que acaba matando o “monstro” em questão. Tirando o belíssimo Johnny Messner, que faz o papel – claro - de um suado e viril dono de um barco, o restante do elenco se divide nos já famosos arquétipos : a mocinha destemida, o executivo inescrupuloso,o metido sabe-tudo, um negro piadista...todos semi-desconhecidos dos spots Hollywoodianos da fama.
Se você gosta de cobras, aventuras numa selva globalizada e sustos, enrosque-se na sua parceria predileta ,dê um bote na sala mais próxima e relaxe : Exigir mais do que diversao desse filme é o fim da picada!"

*ALIEN X PREDADOR

2008-03-17T13:52:00.000-03:00

Juntar dois monstros num só filme não é novidade. Na década de 40 , a UNIVERSAL lançou FRANKENSTEIN X LOBISOMEM. Até o Japão entrou na onda mandando seu mais famoso monstro pentear macaco no filme KING KONG VS. GODZILLA no ano de 1962.
De lá pra cá, pouca coisa mudou. Talvez FREDDY VS JASON tenha sido uma exceção, pois ambos tiveram suas cronologias respeitadas. Presumo que os produtores cinematográficos tenham se inspirado naquelas cruéis brigas de galos, onde os coitados eram postos num minúsculo ringue para degladiarem ate a morte. Nessa antiga modalidade quem saiam sempre ganhando eram os donos, deixando as coitadas aves agonizarem – ou pararem na panela. Assim aconteceu com as fantásticas criaturas protagonistas de ALIEN X PREDADOR. Aqui foi desrespeitado quase todo perfil dos personagens. O Alien , de estrategista inteligente virou apenas uma espécie de ratinho de laboratório que é jogado em um labirinto para as cobras se alimentarem. O Predador acabou ganhando um destino melhor : Virou divindade! Pode?
Dá até pena de ver o fantástico Alien ser tratado daquela forma.
Diz o cartaz: “NÃO IMPORTA QUEM VENÇA, NÓS PERDERMOS”. Nunca um slogan de um produto foi tão direto e verdadeiro: Nós, os espectadores perdemos mesmo..."

*OLGA

2008-03-17T13:47:00.000-03:00

No filme A PAIXÃO DE CRISTO, muitas histórias poderiam ser extraídas das 1.641 páginas da Bíblia, afinal , a vida do homem de Nazaré não se resumiu apenas às tragédias e sofrimentos. Contudo, Mel Gibson escolheu o trecho mais torturante – a via crucis - para o seu filme. Curiosamente, o talentoso Jaime Monjardim partiu do mesmo princípio ao adaptar a biografia da judia e comunista Olga Benário para as telas. Essa lendária mulher sofre o pão que o diabo amassou: É separada do seu grande e único amor – o líder Luís Carlos Prestes - , vai presa, é deportada para uma Alemanha no auge do nazismo e ainda por cima, grávida! Além de ter sua filha tirada de seus braços... Nem Ana Paula Arósio sofreu tanto em sua mais famosa obra – a novelaTERRA NOSTRA , como essa judia. Coitada.
A Olga de Camila Morgado não tem espaço para sutilezas. Seu texto é declamado na maior parte das cenas , distanciando o personagem ainda mais do plano real.
O mais curioso é que o diretor, famoso principalmente por levar para a televisão toda uma linguagem cinematográfica, com seus planos abertos e belíssimas tomadas de cenas, fez o caminho inverso: A maioria dos quadros do filme são fechados ou centrados em algum determinado ponto."

COLATERAL

2008-03-17T13:38:00.000-03:00

Contradizendo um velho dito popular: Durante nem TODOS os gatos são pardos. Este aqui é cinza e grisalho e atende pelo nome de Vincent. No novo filma noite e de Michael Mann , Tom Cruise assume a frieza dessa gélida cor da cabeça aos pés , definindo assim o perfil pragmático do seu personagem : um matador de aluguel com um missão a cumprir durante apenas uma longa e imprevisível madrugada.

Colateral teria tudo para ser mais um filme policial daqueles em que dois homens de personalidades bem diferentes acabam se juntando para concluir algo...o diferencial aqui atende pelo nome de Jamie Foxx. Na pele de Max, um politicamente correto taxista, ele acaba sendo – à contra gosto – o parceiro dessa longa jornada noite a dentro pelos buracos de uma decadente e angustiante Los Angeles. Apesar do ritmo irregular, o filme tem seus achados, tais como os diálogos e a perfeita utilização da trilha-sonora, como nas cena em um coyote aparece no meio de um cruzamento: O animal pára em um cruzamento, olha para o táxi e depois vai embora. Três solitários andarilhos perdidos nessa cidade fantasma. Momento melancólico , poético e crucial . O embate quase terápico entre os dois serve de reflexão e espelho, colocando o espectador de passageiro a cúmplice nessa viagem sem volta. No dicionário Aurélio, “colateral” quer dizer : Que é parente, mas não em linha reta . Perfeito. Talvez , Vincent e Max tenham mais coisas em comum do que gostariam. E você? O que faria nessa situação? Aceleraria ou puxaria o freio de mão? Concluo que ,no final das contas o que vale mesmo é o impulso. ..

*AS BICICLETAS DE BELLEVILLE

2008-03-17T13:17:00.000-03:00

Houve um tempo em que assistir desenhos animados no cinema era apenas uma doce obrigação de pais zelosos ou tios animados com seus familiares infantis.
Talvez o fantástico AKIRA , de Katsuhiro Otomo tenha sido o verdadeiro divisor das águas. Depois dele, os desenhos começaram a ganhar mais atenção e destaque na mídia, ganhando até um termo nobre: cinema de animação.
As BICICLETAS DE BELLEVILLE traduzem bem essa - nem tão - nova safra. Através de traços extremamente impressionistas do desenhista Evgeni Tomov, o diretor Sylvain Chomet nos conta a história da busca de uma avó pelo seu neto ciclista, raptado por gangsters durante uma competição nas ruas de Paris, a famosa TOUR DE FRANCE.
Durante a incansável busca, essa velhinha atleta e aventureira acompanhada apenas com o seu cachorro balofo, encontra os mais esdrúxulos tipos , como o trio de famosas cantoras do passado que, decadentes e envelhecidas, sobrevivem de bicos alimentando-se apenas de rãs caçadas num brejo do pobre bairro onde moram. Um certo tom melancólico predomina na primeira metade do filme, acentuado pela solidão de quase todos os personagens, esmagados pelo inevitável progresso das grandes cidades.
Com seu traço impressionista, a fotografia talvez seja o seu maior atrativo. Cada cena é detalhista ao extremo - Um cartaz do filme AS FÉRIAS DE SR. HULOT de Jacques Tati enfeita a pobre sala das velhinhas - a referência aqui esta na filmografia de Tati, sempre notável na construção de atmosferas através de sons e mímicas.
O uso das cores é perfeito: tons pastéis de dia , cores frias e sombras para a noite. O ponto fraco está no desenvolvimento da história. Como diria o título da mais famosa peça de Pirandello são "Seis Personagens à Procura de um Autor". Na Segunda parte a única que não perde o fôlego é a velhinha, restando uma incomoda sensação de monotonia.
No mercado brasileiro a bilheteria foi um fiasco No exterior , um sucesso, rendendo até a várias indicações nos principais festivais de cinema mundiais, como o Oscar, o César e o Bafta. Nada mal para uma produção que custou a bagatela de 8 milhões de dólares. Para se ter uma idéia, PROCURANDO NEMO gastou 94 milhões !
Definitivamente, desenho animado é coisa do passado...Isto agora é cinema... cinema de animação, é claro!

*MULHERES PERFEITAS

2008-03-17T03:04:00.000-03:00

Nos revolucionários anos 70, Ira Nevin , autor do mais famoso filme de Roman Polanski, o BEBÊ DE ROSEMARY, lançou uma curiosa obra que contava a historia de uma cidade aonde mulheres eram robotizadas para servirem aos seus barrigudos maridos: The Stepford Wives.
O livro se tornou um best seller para o povo americano, caindo como uma luva para o movimento feminista - “Stepford” virou até gíria para os conformistas.
A adaptação para o cinema fez sucesso, pois não só realçava a força política do texto como também usava de humor negro e uma boa dose de suspense, ao colocar a personagem principal no meio desse grupo de mulheres com hábitos estranhos e sorrisos de polaroid.
Mas isso foi em 1975.

Nessa refilmagem, tudo foi por água abaixo. O que era sutil na trama virou uma porção de piadinhas sem graça, esvaziando todo o clima de tensão. As interpretações são lastimáveis. Nicole Kidman não convence como a executiva estressada que muda de vida para salvar o seu casamento. Glen Close, coitada. Essa aí esta virando uma espécie de Robert de Niro de saias, aceitando qualquer papel aquém do seu talento. Sobra apenas para a versátil Bette Midlerdesfilar o seu tipo mais freqüente que é a da mulher histérica e engraçada. Frank Oz já mostrou que é bom em comedias antigas com as divertidas SERA QUE ELE É ? e OS SAFADOS . O que houve? Talvez ele também tenha virado um Stepford , dando um verdadeiro curto-circuito nas suas idéias, quem sabe?e engraçada"

*EFEITO BORBOLETA

2008-03-17T02:55:00.000-03:00

Quem já não desejou voltar ao passado para corrigir algum tipo de erro?
As vezes o que começa como um contratempo, pode torna-se um ganho mais a frente...meio enrolado, não? Explicado melhor: digamos que vc ao chegar em casa esqueceu de ouvir os seus recados na secretária, perdendo uma grande festa. Distraído, resolve então ir ao cinema e lá encontra alguém e se apaixona...Perdeu a festa mas aconteceu algo que mudou radicalmente a sua história. E se vc tivesse ouvido os recados?
Efeito Borboleta é sobre as possibilidades de vida. O que ele ensina é que as vezes um pequeno detalhe ocasiona numa grande mudança de vida no futuro. O personagem principal tem o dom de “ler e voltar ao passado” através das paginas do seu diário. Tentando corrigir um antigo trauma de infância ele cada vez mais vai se enrolando , navegando por várias possibilidades da sua própria vida. Numa das viagens aparece até paralítico. Em outra, um presidiário. Roteiro enxuto e boas interpretações num filme que infelizmente passou desapercebido no circuito. Uma pena.
- E se ele tivesse entrado em vários cinemas com uma boa dose de publicidade ? E se o ator principal fosse o Brad Pitt?
E se eu não tivesse visto?"

* EU, ROBÔ

2008-03-17T02:53:00.000-03:00

Desta vez ele caprichou na embalagem: Começa o filme e vemos o black star Will Smith com todos os músculos do seu corpo enormes e harmoniosamente trabalhados, levantando da cama de cuecas para tomar o banho matinal. Gritinhos abafados na platéia do cinema. Ele sai do box, se seca e se veste. Pausa para o comercial -close no seu tênis All Star preto...peraí...isso não era um filme de ficção científica?
Esse é o clássico problema quando um astro é mais famoso do que o seu diretor: O roteiro é feito em cima do ator e não a favor da história, que até é bem interessante mas se perde nas piadinhas infames que só servem para quebrar o clima e a seriedade do embate 'Máquinas X Humanidade'.
E a fórmula? Bem:
-Junte um BLADE RUNNER fresco , duas xícaras de MINORY RIPORT, uma colher de sopa de ANIMATRIX , uma pitada de ARTHUR C. CLARKE, um ISAAC ASIMOV inteiro, uma porção de HOMENS DE PRETO com caroço e com peles e por último , um HAL levemente batido...
Seria uma ótima torta, porém Alex Proyas não teve uma boa mão para doces e acabou solando esse bolo...
No final do filme o personagem mais complexo e que realmente fica em nossa mente é o do robô Sonny.
Placar Final : Máquinas 1 , Humanidade 0"

*DIÁRIO DE UMA PAIXÂO

2008-03-16T16:37:00.000-03:00

The Notebook (EUA): 2004

Direção: Nick Cassavetes

James Garner (Noah Calhoun)
Gena Rowlands (Allie Hamilton)
Rachel McAdams (Allie Hamilton - jovem)
Ryan Gosling (Noah Calhoun - jovem)
Joan Allen (Mãe de Allie)
Heather Wahlquist (Sara Tuffington)

Um barco adormecido , navega preguiçosamente. Um barco adormecido , navega preguiçosamente. O sol vai sumindo aos poucos, fundindo com as águas serenas de um lago ao cair da tarde. Grandes aves brancas bailam ao som de uma triste melodia de uma nota só , e ela - uma linda senhora - observa pela janela de uma grande mansão , inebriada de melancolia e saudade.
Saudade. E é através desse sentimento que a narrativa se constrói , roubando sem dó nem piedade talvez o maior dos nossos desejos: O da PAIXÃO.
Mais adiante descobrimos que aquele belo casarão é na verdade um refinada casa de repouso onde residem os dois senis protagonistas , brilhantemente interpretados por James Garner e Gena Rowlands. Numa bela manhã sentam os dois para tomarem um café. Ele, atencioso e ainda bem disposto começa a ler uma história de um clássico romance de época passado na cidade de Carolina do Norte nos final dos anos 50, aonde dois jovens se rebelam contra todos no melhor estilo menina rica & rapaz caipira. A partir desse momento, nós , os espectadores , sentamos juntos com a velha e doente senhora tomada pelo mal de Alzheimer- e assitimos na tela uma enxurrada de clichês tão comuns ao gênero:
- Humilhações, promessas de amores eternos, danças ao luar, beijos no escurinho do cinema...Por que então ao término da sessão ficamos com os olhos marejados ? Mistério. Alguns dizem que é ridículo chorar no cinema. Pensando bem, ridículo é quem nunca teve a chance de viver pelo menos uma única vez uma linda história de amor. O sol vai sumindo aos poucos, fundindo com as águas serenas de um lago ao cair da tarde. Grandes aves brancas bailam ao som de uma triste melodia de uma nota só , e ela - uma linda senhora - observa pela janela de uma grande mansão , inebriada de melancolia e saudade.
Saudade. E é através desse sentimento que a narrativa se constrói , roubando sem dó nem piedade talvez o maior dos nossos desejos: O da PAIXÃO.
Mais adiante descobrimos que aquele belo casarão é na verdade um refinada casa de repouso onde residem os dois senis protagonistas , brilhantemente interpretados por James Garner e Gena Rowlands. Numa bela manhã sentam os dois para tomarem um café. Ele, atencioso e ainda bem disposto começa a ler uma história de um clássico romance de época passado na cidade de Carolina do Norte nos final dos anos 50, aonde dois jovens se rebelam contra todos no melhor estilo menina rica & rapaz caipira. A partir desse momento, nós , os espectadores , sentamos juntos com a velha e doente senhora tomada pelo mal de Alzheimer- e assitimos na tela uma enxurrada de clichês tão comuns ao gênero:
- Humilhações, promessas de amores eternos, danças ao luar, beijos no escurinho do cinema...Por que então ao"

*TODAS AS COISAS E EU -Gal

2008-03-16T15:23:00.001-03:00

O PESO DA IDADE

Dos quatro Doces Bárbaros - lendário grupo do qual participou junto com Caetano, Gil e Bethânia - talvez a Gal tenha sido a mais mutante e também a que mais envelheceu: Aonde foi parar aquela artista que em cada temporada que passava , deixava sua marca com discos e shows criativos e completamente diferentes entre si? Quem não se lembra de uma Gal vedete, entrando toda dourada no show FANTASIA, dirigida por Guilherme Araújo? E Gal Tropical? sucesso absoluto no Teatro dos Quatro , que, vestida por Guilherme Guimarães, abandonava de vez o tom meio bicho grilo para entrar de saltos altos e muito, muito brilho. E o Sorriso do Gato de Alice dirigido pelo Gerald Thomas? Talvez seu último suspiro artístico , mostrando uma coragem e ousadia , enfrentando todos de peito aberto - literalmente - cobrando ao Brasil para que mostrasse a sua cara.
É. Parece que só o país pagou a promessa.Ela não é Regina Duarte mas agora tem medo. E medo, para uma artista é o mesmo que comprar uma passagem para a mediocridade.
A Gal de hoje lança discos que servem apenas para cumprir contratos e o que é pior: Nao inova, precisando até remexer no passado, como foi o caso desse último disco/ show onde mais uma vez , volta ao antigo , dos anos 20 aos 50. O espetáculo, apesar de toda empolgação da imprensa em geral, não emociona quem tem menos de 40 anos. O clima é de um baile da terceira idade. A direção também não ajudou muito. Ela ate que tentou dar uma ar de "modernidade"convidando a diretora teatral Bia Lessa.
Essa , apesar de talentosa e criativa, cometeu o grande equívoco de repetir a mesma linguagem cênica, brilhantemente criada para a peça Medeia ( vide texto anterior ). Quem viu os dois espetáculos em curto espaço de tempo teve a chance de comparar: As folhas secas no chão, a meia-luz, os trocos suspensos, sombras, tudo repetido e o que foi pior - perdido, no meio de um show que parecia mais um recital. pegou mal, muito mal...

*MEDÉIA

2008-03-16T15:17:00.000-03:00

Atire a primeira pedra quem nunca sentiu vontade de extravasar o mais sórdidos dos pensamentos , no ato de uma traição? Medéia é assim: bela , mística e trágica como os elementos da natureza. E foi através dessas ferramentas que a diretora Bia Lessa montou a grande tragédia da feiticeira que abandonou toda a sua vida para se entregar a um grande amor – Jasão, que acaba traindo-a , gerando nela uma onda de desespero, ódio e vingança, que conclui com o assassinato dos seus próprios filhos.

O teatro Dulcina, totalmente em escombros é o mais perfeito cenário: os personagens se sujam e se digladiam no chão tomado pelo barro fresco. Além do vento, das folhas secas e por último, da chuva torrencial no ápice da peça, onde Medéia se despe do seu passado de mãe e mulher , e se lava, renascendo como um ser onde apenas a vingança importa.

Renata Sorrah está um verdadeiro furacão, vociferando toda a sua angústia e demência numa força pouco vista nos palcos. José Mayer não fica atrás , mostrando um Jasão seguro de si no começo , para depois despencar de dor e sofrimento. Atuações imperáveis para uma montagem que ficará talvez como a mais perfeita tradução desse tão complexo e mítico ser, imortalizado pelo texto de Eurípides.Tragédia para a história, prazer para os nossos sentidos.

*HELLBOY

2008-03-16T15:04:00.000-03:00

Título Original:

Hellboy (EUA): 2004

Elenco:

Ron Perlman
Doug Jones
Selma Blair
John Hurt
Rupert Evans

Direção: Guillermo del Toro

Um bebê- demônio trazido a Terra através de um ritual satãnico feito pelos nazistas é raptado por um cientista "nerd". Ele cresce, renegando as origens - seus chifres são sempre serrados pelo próprio - indo morar & trabalhar numa agência governamental...um diabão bonzinho? Parece piada...e é mesmo!
Hellboy não foi feito com a pretensão de agradar milhares de fãs, até porque o personagem nem é tão famoso assim. Ele foi concebido numa espécie de sátira aos heróis dos quadrinhos, a semelhança com Wolverine do X-men é a maior referência. Seu temperamento - sempre irônico, egocêntrico e rebelde como um adolescente - junto com o charuto são o que ha de mais divertido nessa película.Já o roteiro...
Os monstros que querem dominar o mundo mais parecem os vilões do extinto seriado Nacional Kid...ops...entreguei a idade...vou mudar de referência para os mais jovens: Power Rangers, tá bom?
Esqueça a trama. Concentre-se apenas na direção de arte da dupla Marco Bittner Rosser e Peter Francis junto com a perfeita trilha sonora de Marco Beltrami e principalmente nas tiradas irônicas do ator Ron Pearlman , que está perfeito como o demônio colorido.

*ESPELHO D'ÁGUA

2008-03-16T14:36:00.000-03:00

Título Original: Espelho D'Água - Uma Viagem no Rio São Francisco
(Brasil): 2004

Direção: Marcus Vinícius Cezar

Fábio Assunção (Henrique)
Francisco Carvalho (Abel)
Carla Regina (Celeste)
Regina Dourado (Penha)

Lendas , crendices e buscas. Este são os principais temas de ESPELHO D`AGUA, filme que marca a estréia em longas do diretor Marcus Vinícius Cezar.
Aqui , como na natureza, o que atrapalha são os personagens urbanos que não tem – quase – nada a dizer , dragados pela belíssima fotografia do Rio São Francisco e de seus mitos, contados pelo povo local. Fábio Assunção na pele do angustiado fotógrafo Henrique, pouco aparece ; Carla Regina não convence como a ansiosa namorada que sai em busca após o seu desaparecimento , guiada pelo casal mais verdadeiro do filme: O velho pescador Abel e Sida, sua sábia e eterna canoa ,presenteada pelo pai quando ainda era um menino. Dublada pela dramática voz da atriz Chica Carelli, ela funciona como a consciência do rio e da própria natureza , contando historias e “causos” do povo . A cena em que se despede de seu eterno companheiro é um dos momentos mais poéticos e comoventes do filme. Aramis Trindade com o Zé da Carranca é grande responsável pelos alegres momentos. Mas são principalmente as premiadas atuações no CINEPE ( Festival cultural de Recife ), de Regina Dourado como a mística Penha e de Francisco Carvalho como o pescador Abel que refletem e questionam na nossa memória de quanto é rica a história do nosso folclore brasileiro.

*MONSTER - DESEJO ASSASSINO

2008-03-16T02:49:00.000-03:00

( Monster, EUA/ Alemanha, 2003)

Direção: Patty Jenkins

Com:Christina Ricci
Charlize Teron
Bruce Dern
Scott Wilson
Lee Tergese

Aqui temos um mais um exemplo de atuação MAIOR & filme menor.Charlize Theron dá tudo de si nesse drama que fala sobre abandono, solidão e limite. Ela ,junto com Christina Ricci formam uma dupla de párias que se envolvem mais até pela falta de carinho e afeto do que pelo tesão. A personagem de Charlize nem lésbica era. Com alguns altos e baixos o filme pelo menos tem um mérito maior: NÃO JULGA.

*O GRITO

2008-03-15T04:16:00.000-03:00

(The Grudge, EUA/Japão, 2004)

Direção:Takashi Shimizu
Elenco: Sarah Michelle Gellar, Jason Behr, Clea Duvall, KaDee Strickland, Bill Pullman, William Mapother, Grace Zabriskie, Ted Raimi

Estou começando a ficar com medo das mulheres asiáticas, principalmente se tiverem úmidas e e raivosas!
Os novos monstros do terror agora usam rímel e saias, têm muitos cabelos e dispensam o alisamento japonês ...
Surge mais uma história de almas penadas, importada do cinema asiático e "adaptada" para o grande público americano. A receita foi a mesma utilizada do filme O CHAMADO (refilmagem de RINGÚ): Escolheram um sucesso do cinema japonês (JU- ON), escalaram a maioria da equipe original,puseram uns atores americanos e, por último, os inevitáveis efeitos especiais junto com os sustos sonoros que perturbaram muito mais os nossos ouvidos do que os olhos...só que esse bolo solou. Se em O CHAMADO, o roteiro tinha uma certa coerência, tendo espaço até para homenagear desde o mestre Hitchcock até David Cronenberg, com seu perturbardor VIDEODROME.

Em O GRITO , as referências viraram uma cópia mal feita do próprio O CHAMADO, chegando a ser irritante a semelhança em certos momentos. E no final, pra variar, aquele dispensável hábito dos filmes de terror dos anos 90 em diante que é o de deixarem SEMPRE uma brecha para as seqüências caça-níqueis. Uma única observação interessante é a de que nas histórias de terror e suspense japonesas , o mal sempre acaba impune e aos seres "do bem"sobram apenas duas variações : a morte ou a fuga.
Se eu fosse você, meu querido leitor, aproveitaria a onda e seguiria um velho conselho de um daqueles três sábios macaquinhos do folclore japonês: TAPE OS SEUS OUVIDOS DESSA GRITARIA entediante.